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| Miedo encarnado |
2018-09-14 |
Título: Miedo encarnado Formato: Serie limitada de siete números en formato comic-book Autores: (G) Matt Fraction (L) Stuart Immonen (T) Wade Von Grawbadger (C) (P) Laura Martin Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 3,25 euros (primer número) 1,95 (los restantes) Comentario: Ya tenemos por aquí el nuevo cruce marveliano, profusamente reseñado en esta página a través de los diarios del miedo del amigo David Gavilán. Parece que fue ayer cuando el caballero glosaba los pormenores de Fear itself, y realmente lo fue, a la vista de la menguante separación entre las ediciones estadounidense y española. Qué tiempos aquéllos en los que una serie podía llevar un desfase de años, pero estoy divagando. Miedo encarnado empezó siendo una aventura para que el Capitán América y Thor explotaran su presencia en la gran pantalla durante el pasado año 2011, y ha acabado convirtiéndose en el enésimo cruce global de la casa de las ideas. Después de unos años de aventuras más reducidas en cuanto a implicaciones, volvemos a la mecánica modelo Invasión secreta o Actos de venganza, para que todo el que es alguien en el mundo marveliano y unos cuantos donnadies hagan acto de presencia y tengamos, al final del reparto de galletas, un nuevo orden de cosas, que últimamente no dan ocasión ni de que el polvo se asiente en las repisas. El punto de partida se presenta en torno a la situación de miedo que parece atenazar a la población de todo el mundo, y que se concreta en el primer episodio de la historia con un altercado que Steve Rogers, nuevo jefazo de los empijamados yanquis, es incapaz de domeñar. Los editores de Marvel querían jugar un poco con la situación actual de un mundo que mira al futuro con el pavor que imprime una crisis económica global y el incierto final de la misma en cuanto al cuando y al como. Pero no se preocupen o no se alegren anticipadamente: esto es un tebeo de gente en pijama que va resolviendo problemas a base del reparto continuado de formas, así que la situación viene relacionada, como causa y como efecto, con las últimas andanzas de Pecado, la hija de Cráneo Rojo. La vástago del difunto jerarca nazi se ha embarcado en una búsqueda que la lleva hasta una instalación de la sociedad Thule, un grupo de pirados antisemitas, anticomunistas y pirados aficionados al ocultismo. Los integrantes de tan singular jarca custodian un cachivache muy particular: un martillo. Mientras tanto, Odín ha decidido que ya está bien de vacacionar en la Tierra y ha dado la orden de retornar a la sede tradicional de Asgard, aunque para ello deba dar una paliza a su hijo Thor y llevarle a rastras de vuelta al hogar ancestral. La serie sigue la dinámica habitual en los últimos tiempos de volver todo del revés para luego alcanzar un desenlace donde hay, pretendidamente, cambios sustanciales en base a los cuales tirará durante todo un año (más o menos) el chiringuito. En el caso que nos ocupa, ya sabemos cuál es el destino de algunos de los personajes y qué es lo que va a pasar con ellos, así que solamente queda sentarse y disfrutar del paseo, en especial del gran trabajo desarrollado por Stuart Immonen. A la parte del guión se encuentra Matt Fraction, que actualmente se encarga de contar las aventuras de Iron Man y de Thor y que aquí tiene ocasión de presentarnos al Odín recientemente recuperado en la serie de aquel último. El padre de todos (cuyo regreso, después de una década, muchos entendíamos innecesarios) se asemeja más a la deidad intrigante y despiadada de la mitología que a la imagen de “papanué” sabio, de mal genio pero buen corazón a la que nos tenía acostumbrados el filtro marvelita. Parece ser que no era oro todo lo que relucía y que su patriarcado estaba construido sobre una gran mentira, pero siendo éste el enésimo giro de tuerca al pasado de los dioses normandos made-in-Marvel, habrá que ver cómo se desarrollan los acontecimientos. Fraction aprovecha la conocida “colgadera” que la piara nacionalsocialista tenía por los mitos que fomentaran la supremacía de la raza aria (y concretada en las descacharrantes búsquedas promovidas por Heinrich Himmler y su ridícula y siniestra Ahnenerbe) para profundizar en una relación que ya se destapado en las películas del Capi y de Thor: la existente entre el mundo de los dioses nórdicos y la alta jerarquía del III Reich. Prepárense pues para ver a los coloridos nazis creados por Stan Lee y Jack Kirby pasados por el tamiz de la modernidad y la actualización. No es la primera vez que vemos algo de esto, pues ya Roy Thomas jugó con esa idea en el pasado lejano, en tanto que Jonathan Hickman lo ha hecho más recientemente en Ultimate Thor. La parroquia marveliana habitual ya sabe que Miedo encarnado va a ocupar gran parte de los argumentos de los tebeos de la editorial yanqui, con especial atención, como viene siendo habitual, a la franquicia vengadora, actual piedra angular del negocio. Quienes no gusten de este tipo de “esclavitudes” ya se pueden ir resignando y disfrutar, repito, del gran trabajo de don Stuart, que se supera día a día. Para saber más:
Los diarios del miedo, de David Gavilán Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 23 de enero de 2012.
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| Esta semana en Docencia en Derecho Civil (XCV) |
2018-09-10 |
La semana del 27 de agosto de 2018 fue la última en la que la página Docencia en Derecho Civil ha mantenido su versión original. Desde su apertura, en mayo de 2007, he publicado en ella todo tipo de material relacionado con el estudio y la investigación de la materia a la que he dedicado mi vida académica y profesional. El pasado 31 de agosto de 2018, el servicio WebEmpresas -responsable del dominio y del diseño- dio de baja la vieja página y todos sus contenidos. Desde el día 1 de septiembre, hay una nueva versión que, espero, sea de su gusto. Docencia en Derecho Civil
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| Saint Seiya. Los Caballeros del Zodíaco. The lost canvas (Anime. Temporada dos) |
2018-09-07 |
Título: Saint Seiya. Los Caballeros del Zodíaco. The lost canvas (Anime. Temporada dos) Formato: Serie de doce episodios distribuidos en tres DVD / blu-ray. Edición original: 2010-TMS Edición España: 2011-Selecta Visión Idiomas: Español (Dolby Digital, 5.1, Dolby Digital, 5.1 DTS), Japonés (2.0 Dolby Digital); subtítulos en español Formato: 16 :9 Precio: 14,95 € Después del buen sabor de boca que dejó la primera temporada de la adaptación al anime de The lost canvas, la parroquia aficionada al universo de los caballeros del zodíaco esperaba como agua de mayo la salida de su continuación, concretada nuevamente en trece episodios donde continúa el relato de la guerra sagrada dieciochesca entre las encarnaciones de Atenea y Hades. Circunstancias de la vida han hecho que esta segunda temporada coincida en el mercado con la edición española del llamado “capítulo del infierno”, la penosa continuación de la serie clásica, lo que ha servido a un tiempo para disfrutar de una historia dotada de un notable atractivo y para hacer, ay, comparaciones un tanto odiosas. La entrega anterior culminaba cuando Tenma, el Caballero de Pegaso de esos días, acompañado por sus camaradas Yato del Unicornio y Yuzuriha de la Grulla, decide escapar del Santuario y afrontar el enfrentamiento con Hades personalmente. Su relación de infancia con Aarón, la persona destinada por su virtud para albergar el alma de la deidad del inframundo lo ha convertido en el blanco de los ataques orquestados desde la cúpula del ejército del rey de los muertos. Considerándose responsable de la caída de Aldebarán de Tauro, Tenma quiere evitar causar nuevas bajas entre las filas de Atenea, por lo que parte hacia el castillo que, en la Tierra, hace las veces de cuartel general de las fuerzas enemigas. Por su parte, la encarnación mortal de Hades está concentrada en la finalización de un lienzo que cada vez ocupa más y más espacio en los cielos. Los dioses gemelos Hipnos y Tánatos, así como la siniestra Pandora temen que los lazos afectivos entre Aarón, Tenma y Sasha (hermana del primero y encarnación de Atenea) puedan afectar al juicio de Hades, de modo que han decidido evitar riesgos y llevar personalmente las acciones ejecutivas. Esta segunda temporada se centra sobre todo en las figuras de los dioses gemelos. Hipnos y Tánatos están presentes desde el principio, intrigando y urdiendo la red que habrá de llevar al cándido Aarón a poder de Hades. Son sus principales sirvientes, pero no parecen sometidos a su voluntad como pueden serlo los espectros, por lo que queda patente que muchas de sus decisiones se hacen a espaldas de su teórico superior. Su presencia constituye en definitiva la principal amenaza que se cierne sobre el Santuario. En el bando de “los buenos” el protagonismo recae durante esta segunda temporada ¡ en varios caballeros de oro como Manigoldo de Cáncer, el Cid de Capricornio o Sísifo de Sagitario. Igualmente, vemos al Patriarca y a su hermano y hombre de confianza, Harukei del Altar, arremangarse para entrar en batalla. Su importancia y, tal vez su poder, son equivalentes a los de los dioses gemelos del bando enemigo. Estos trece episodios siguen fielmente el relato del manga original de Shiori Teshirogi. En éste como en aquéllos, la historia es un inmejorable homenaje a las creaciones de Masami Kurumada, las cuales son llevadas a un nivel de aprovechamiento como nunca ha conseguido el padre de las criaturas. En El lienzo perdido, personajes como Piscis o Cáncer, que se cuentan entre los menos carismáticos del tebeo clásico, reciben unas encarnaciones, una motivación y unos condicionantes que hacen que todas sus apariciones sean igualmente disfrutable. Así, si Máscara de Muerte resultaba ser una suerte de psicópata que usaba su condición de caballero para dar rienda suelta a su gusto por el asesinato, su contrapartida del S. XVIII, Manigoldo, se presenta igualmente como un guerrero que transita por la delgada línea que separa a caballeros de espectros y con una relación muy especial con la muerte, pero está dotado de un sentido del humor y de una fanfarronería que, inevitablemente, le hacen simpático ante el público. Las similitudes entre estos caballeros dorados dieciochescos y sus homólogos del S. XX se extienden a detalles que van más allá del aspecto, como la procedencia. Así, Manigoldo es italiano, como Máscara Mortal, en tanto que el nombre de el Cid revela que éste, al igual que Shura, es español. En el caso del Patriarca y su sombra, se usan aspectos de una historia, considerada canónica, en la que se intentaron solventar (sin mucho éxito, me temo) las contradicciones que presentaba el origen del Patriarca y su suplantación por parte de Saga de Géminis. En el relato en cuestión se cuenta que Shion de Aries contaba con un caballero de plata asistente, de nombre Arlés (o Ares) y probablemente titular de la armadura del Altar. Este dato sirve para conformar el vínculo entre Seiji / Sage de Cáncer (superviviente de la guerra sagrada del S. XVI) y su hermano gemelo Harukei (que también salvó el cuello en el citado conflicto). El segundo permanece en la sombra, mientras que el primero se encarga de dar la cara y ser el sostén de la diosa de la guerra, amén de su lugarteniente. Serán ambos los que tomen la iniciativa para eliminar del tablero a Hipnos y Tánatos. No hay que olvidar tampoco los interesantes diseños que, desde el manga, pueblan las huestes de Hades y donde Teshirogi tuvo ocasión de homenajear nuevamente otra de las manías de don Masami, (la de colar personajes de aspecto un tanto dudoso) en la forma de Verónica de Nasu. Su aparición, así como la del dios de los sueños Oneiros, dan a esta segunda temporada un apropiado toque terrorífico del que carecía en este punto la serie original. En éste como en otros aspectos, doña Shiori parece haber superado a su admirado Kurumada, que en Next Dimension demuestra una extraña capacidad de plagiarse y enmendarse la plana a sí mismo. Resulta paradójico y un tanto triste que esta serie supere al original del que trae causa, pero no es menos cierto que juega con la ventaja trabajar sobre unos cimientos ya construidos, frente a la improvisación que, derivada de un inesperado éxito, movió a don Masami a llegar hasta la batalla final contra Hades. La edición española es, como viene siendo costumbre en los últimos tiempos, bastante digna, manteniendo las cumbancheras canciones de la primera entrega, unos pocos extras y la constante discusión entre doblaje-traducción oficial y subtitulado fansubero. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 16 de enero de 2012.
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| Canarias 1400 |
2018-09-06 |
Título: Canarias 1400 Formato: Obra colectiva en tapa blanda Autores: (G) (L) (T) (P) Colectivo de Ilustradores Canarios Editorial: Colectivo de Ilustradores Canarios Precio: 15 € Comentario: No es la primera vez que se escucha, se lee, se dice que vivimos en la era de la información. En los últimos veinte años hemos asistido a la llegada de Internet, a la aparición de mil y un cacharros para aprovecharse de la misma y sobre todo, de instrumentos de comunicación cada vez más fluida: el correo electrónico, la mensajería instantánea, el IRC, las páginas, las bitácoras y últimamente, las redes sociales. La historia del Colectivo de Ilustradores Canarios es la de un conjunto de personas que hace menos de un año se reunieron y pusieron en común ilusiones, esfuerzos e ideas y en el plazo de tres meses han logrado poner en circulación esta obra conjunta que constituye la primera piedra de lo que, es de esperar, sea un edificio conformado por múltiples trabajos. Canarias 1400 recoge en su propio título el denominador común de un variopinto conjunto de historietas, relatos e ilustraciones. El año, a caballo entre los siglos catorce y quince de la era cristiana, indica que faltan al menos dos para que Jean de Béthencourt y Gadifer de La Salle arriben a Lanzarote y diversas poblaciones aborígenes habitan unas islas cuya situación se pierde entre el pasado y la leyenda. La recopilación pretende servir de vehículo para conocer un poco mejor las culturas de aquellos pueblos, impropiamente llamados genéricamente como guanches (término que solo es aplicable a quienes habitaban en lo que hoy es Tenerife). La temática es quizá una de las más recurrentes de cuantas conforman la historia archipielágica, junto el ataque de Horacio Nelson a Santa Cruz, pero cualquier punto de partida es bueno para el proyecto que constituye esta obra plural. Las historias recorren ambientes que van desde la mitología a la cotidianeidad, pasando por la economía, la justicia o la guerra contra los invasores (normandos primero, castellanos después). Como no podía ser de otra forma, dado el carácter colectivo de la obra, los altibajos son inevitables. A nivel de guión y de relato hay que advertir de que el nivel es notable, aunque se repita un poco la idea del “buen salvaje”. A nivel de dibujo destacan sobremanera las primorosas ilustraciones que acompañan algunos de los capítulos, con artistas que abarcan toda suerte de estilos, desde el toque realista al tono fantástico, pasando por las reminiscencia del tebeo japonés. Quizá las partes que cojeen más sean las que propiamente se estructuran en la forma de historietas, pues es allí donde queda patente la bisoñez de algunos trazos, composiciones y narrativas. Especial mención merece la cuidadísima edición que se han marcado los colectiveros para su primera obra. El acabado es, en todos los aspectos, impecable, y aunque se ha colado alguna que otra errata, hay que quitarse la gorra ante esta ejecución (hecha como se ha dicho en poco tiempo), de la que deberían aprender empresas con más recursos a la hora de publicar. Se trata, para concluir, de una iniciativa ejemplar, que sirve para conocer un poco mejor las sociedades que habitaban estas islas antes de la llegada de los europeos y para ver en acción a un variado conjunto de guionistas, dibujantes e ilustradores. El libro viene acompañado de una exposición que podrá verse en diversas partes de Canarias durante los próximos meses. Una primera “pre-presentación” tuvo lugar durante la I Semana del Cómic de La Laguna y en días pasados una representación del colectivo ha estado en un centro comercial enseñando sus trabajos. Ya se anuncian nuevos proyectos de los que habrá que estar al tanto. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 10 de enero de 2012.
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| Tarugo |
2018-08-31 |
Título: Tarugo Formato: Serie de diez números en blanco y negro en formato grapa Autores: (G) (L) (T) (P) Anatael P. H. Editorial: Ediciones Alternativas Precio: 1,80 € Comentario: La pretendida era de la información en la que vivimos ha hecho que las distancias se acorten a la hora de conocer y acercarse a las iniciativas que surgen más allá de las editoriales ya establecidas. De la misma forma que jornadas, salones y encuentros relacionados con el mundo del tebeo surgen, crecen, se reproducen (y, con esto de la crisis, no mueren pero entran en estado de hibernación) también hay pequeñas editoriales que se prestan para dar la alternativa a jóvenes autores que se foguean y velan sus primeras armas a través de la entrada en pequeños mercados. En el caso que nos ocupa, Ediciones Alternativa lleva varios años dando la oportunidad a artistas canarios (original y principalmente palmeros) y desarrollando una distribución que ha permitido que las obras de éstos se conozcan primeramente en el resto de las Canarias y más tarde en la península. Una de sus publicaciones más populares es este Tarugo del que toca hoy hablar y que hace pocos meses ha alcanzado su décimo y último número. El tebeo en cuestión, realizado por Anatael P. H. es una parodia del popular manga Naruto, por lo que, inevitablemente, aparecen retratados en forma de caricatura gran parte de los componentes del elenco de la serie original. En el caso del protagonista, tenemos a alguien donde las cualidades (ejem) de torpeza, ineptitud y “brutidad” aparecen multiplicadas, de ahí que el nombre de Tarugo le venga como anillo al dedo. El resto de personajes aparecen reducidos a la exageración hasta el ridículo de los rasgos que les hacen identificables en el manga. En cuanto al estilo empleado, hay que tener en cuenta que cinco años (casi seis) dan para mucho y en todo este tiempo, el autor ha tenido ocasión de experimentar con nuevas herramientas, lo que denota una cierta evolución, aunque siempre esté presente una marcada influencia del humor “brugueriano”, patente ya desde el primer número y concretada en múltiples guiños a los personajes de artistas como Ibáñez, Escobar o Jan. Sin embargo, aún en el último número queda patente un alto grado de “bisoñez” por parte de don Anatael, concretado en un dibujo que todavía resulta confuso (a veces, demasiado) y en una historia cuyo carácter paródico necesitaba aún unos cuantos hervores más. El acabado final del tebeo deja un tanto que desear ya que, si bien hay que tener presente siempre que no se puede exigir a una editorial pequeña lo mismo que a una macroempresa, no es menos cierto que hay ciertos detalles que se podrían corregir fácilmente, como la presencia de faltas de ortografía (algunas dolorosas a la vista) en los textos (algo sobre lo que el autor ha hecho algún que otro chiste). En todo caso, hay que alabar el tesón del autor, que ha logrado algo que no es muy común en este tipo de series: darle un final a su historia, cerrar un capítulo y pasar al siguiente proyecto. Como obra iniciática no está mal, y habrá qué ver qué es lo que le depara el futuro artístico al caballero, pero este Tarugo ha funcionado bastante bien, como parece indicarlo el hecho de que sus distintas entregas hayan agotado sus tiradas y alcanzado una segunda edición. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 3 de enero de 2012.
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| Iron Man / Thor: complejo de dios |
2018-08-30 |
Título: Iron Man / Thor: Complejo de dios Formato: Tomo recopilatorio de la línea 100% Marvel Autores: (G) Matt Fraction, Dan Abnett, Andy Lanning (L) John Romita JR, Scott Eaton (T) Klaus Janson, Jaime Mendoza, Jeff Huet, Lorenzo Ruggiero (C) Dean White, Veronica Gandini (P) Ron Garney Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 11 euros Comentario: La llegada de la llamada edad heroica ha servido, entre otras cosas, para que personajes que tenían una relación añeja y que hacía tiempo que no interactuaban juntos volvieran a verse las caras, con el fin de solventar malentendidos varios, echar el cierre a algunas rencillas y en definitiva, recuperar parte del statu quo ”arqueclásico” para que el espectáculo continúe. Así, hace ya unos cuantos meses vimos unas guerras asgardianas en las que Brian Michael Bendis y Alan Davis se encargaban de que Steve Rogers, Tony Stark y Thor volvieran a ocupar sus puestos como integrantes de la trinidad vengadora por antonomasia. Ahora es el turno de que el Hombre de Hierro y el dios del trueno nórdico hagan tándem como en los días de antaño y partan caretos que no sean los mutuos. Los lectores más veteranos recordarán que, dentro de los Vengadores, estos personajes que, arquetípicamente estaban situados en posiciones bastante alejadas (el héroe tecnológico y el mito fantástico-heroico), forjaron una relación bastante cercana, la cual se concretó en la revelación mutua de sus identidades (mucho antes de que otros miembros esenciales del equipo como el Capitán América o la Avispa fueran hechos partícipes de tales revelaciones, las cuales obedecieron más a circunstancias ajenas a la voluntad de los implicados que a un acto de voluntad movido por la confianza). Sin embargo, los acontecimientos de los últimos tiempos generaron un profundo cisma entre ambos, principalmente motivado por la clonación de Thor a manos del equipo científico del bando comandado por el Hombre de Hierro durante los días de Guerra Civil. El regreso a la Tierra del dios nórdico reveló el profundo desagrado con el que éste afrontaba las novedades acontecidas en su ausencia. Después de la aventura en la dimensión asgardiana, parecía que las fricciones entre ambos y con Steve Rogers se habían atenuado pero ¿hasta el punto de desaparecer? Como premisa, la necesidad de hacer piña con alguien con quien tienes ciertas cuentas pendientes no es original, aunque siempre se le puede sacar un poco más de jugo. Veamos qué ha pasado en esta ocasión. Para empezar, hay que advertir que, a guisa de no-prólogo, Panini ha colado una historia sacada del día de los tebeos gratuitos que cuenta con idénticos protagonistas, pero cuya trama y equipo responsable nada tiene que ver con la historia principal, que es la miniserie propiamente dicha. El interés principal de la misma viene dado por el hecho de que el guionista no es otro que Matt Fraction -que actualmente se ocupa de escribir las aventuras de ambos personajes en sus colecciones principales- en tanto que el dibujante es un John Romita JR que está bastante mejor que en su periplo vengativo reciente. Acostumbrados como nos tiene don Matt a esos interminables arcos argumentales, largos cual día sin pan o esperanza de pobre, verle en una aventura que apenas ocupa lo que un tebeo normal y corriente siempre llama la atención. La historia recuerda lejanamente a la contenida en Astonishing Thor, ya que perturbaciones estelares provocan cambios drásticos a nivel atmosférico y climático, aunque luego lo cósmico es sustituido por una trama que más parece sacada de algún informe sobre la corrupción urbanística que otra cosa. Un puñado de personas pudientes han decidido jugar a “sálvese quien pueda” y mudarse a un paraje todavía virgen, sin que les importe un pimiento el perjuicio ecológico que puedan provocar (¿a qué me sonará esto?). El argumento apenas da para comprobar que la seguridad de las empresas del tío Tony cada vez está peor y que Thor no termina de ver con buenos ojos algunas de las actividades de su colega vengador, pero si bien la cosa no mata del gusto, hay que reconocer que tampoco lo hace del susto. La miniserie propiamente dicha abandona parcialmente los derroteros tecnológicos y se adentra en cuestiones místicas. Ambientada durante los días de la reconstrucción de Asgard, plantea una historia en la que el vengador dorado y el melenudo del martillo han de hacer equipo para hacer frente a un plan en el que, en principio, están implicados dos de sus adversarios tradicionales: Ulik el troll y la Dinamo Carmesí. Ambos llevan a cabo misiones que provocan que sus caminos se acaben cruzando con el de los dos héroes. Sin embargo, ellos no son más que los ejecutores de los planes de las cabezas pensantes del complot, que también son dos viejos conocidos del dúo protagonista: Diablo el alquimista y el Alto Evolucionador. El primero, enemigo tradicional de los Cuatro Fantásticos, se ha aliado con el segundo, que a ratos es una amenaza tamaño XXL (como en La Guerra de la Evolución) y a ratos un científico al que la cacerola de la cabeza le aprieta tanto que convierte sus buenas intenciones en experimentos catastróficos. El objetivo que se han marcado es, agárrense que vienen curvas, fabricar una divinidad para el siglo veintiuno, ya que considera el señor de la armadura magenta y plateada que los panteones actuales no están en la onda y hay que darles la jubilación en nombre de lo nuevo y mejor. El plan ya de por sí es un tanto surrealista (y ni siquiera es del todo original, habría que añadir) pero el desarrollo del mismo y del tebeo que lo contiene ya entra del reino de la tontuna sin remedio. La trama avanza a puñetazos en lo que parece un inesperado homenaje a las películas de Terence Hill y Bud Spencer, concretado en una sucesión de “luchas por parejas que se atizan con todo lo que trincan a mano”, pero sin el humor inherente a aquéllas. Que el dúo conspirador exponga claramente sus planes sin que ellos y sus oponentes acaben desborregados por el suelo víctimas de un ataque de risa ya resulta milagroso, pero al menos servidor hacía mucho que no encontraba un tebeo con un argumento tan bobo y un desarrollo tan penoso. Abnett y Lanning pueden haberse hecho populares trabajando en la franquicia cósmica y demostrando que hay en ella vida más allá de Jim Starlin, pero a la hora de enfrentarse con otro de los conceptos-fetiche del papá de Dreadstar como es el concepto de divinidad, hay que reconocer que no le llegan ni a la suela de la chola. Leer este trabajo suyo me ha hecho sentir casi veinte años más joven, cuando el dúo de guionistas nos deleitaba con horrores como Fuerza de Choque. En la parte gráfica tenemos a Scott Eaton, uno de esos dibujantes que siempre cumple, pero que podría esforzarse una miaja en el campo de las ambientaciones, porque los pasajes ambientados en el pasado más o menos lejano son para tirarse un poco de los pelos. Al menos, se nota que en todo este tiempo don Dan y don Andy han aprendido algo más sobre España (o rebuscado en la Wikipedia) y por aquello de que Diablo es de por aquí, han tenido a bien cascar un flashback históricamente bien cuadrado (aunque entre el villano marveliano y el guerrero castellano que contrata sus servicios haya una separación de unos doscientos años). Complejo de dios es un vulgar sacaperras que no se puede recomendar salvo a aquéllos que sean coleccionistas compulsivos de las apariciones del férrico y del aesir, y que sean capaces de poner el listón a ras del suelo. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 2 de enero de 2012.
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| Ultimate X |
2018-08-29 |
Título: Ultimate X Formato: Serie limitada recopilada en el formato “Marvel Graphic Novels” Autores: (G) Jeph Loeb (L) Arthur Adams (T) Mark Roslan (Aspen MLT) (C) Peter Steigerwald (Aspen MLT) (P) Arthur Adams Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 15 euros Comentario: Desde que Chris Claremont ejerciera de gran timonel de la franquicia mutante, ésta ha sido una de las escuderías más rentables de cuantas componen el emporio marveliano, aunque de un tiempo a esta parte haya cedido su primacía a las pujantes colecciones de la creciente familia vengadora. Puede ser que la fuerza de antaño se haya ido diluyendo en una sucesión de autores con mayor o menor talento pero poca libertad creativa y en una cadena de reciclado de personajes, situaciones y tramas que ya sorprenden a muy pocos, pero lo cierto es que, hace una década y justo una década después de que el patriarca mutante dejara el navío, los mutantes eran, junto con Spider-Man, la apuesta segura a la hora de desembarcar en otros campos del entretenimiento. Así, a mediados de los noventa fueron precisamente los patrullosos y el arácnido los primeros en contar con sus propias series de animación; a caballo entre el cambio de siglo, los primeros en dar el salto a la gran pantalla (con el singular prólogo del cazador de vampiros conocido como Blade) y, más o menos por esas fechas, los primeros tener versiones “ultimateras”. Ultimate X-Men fue la segunda colección de un sello que presentaba a los personajes de siempre sin el bagaje de una historia que se aproximaba inexorablemente al medio siglo de existencia. Allí estaban los conceptos arquetípicos, listos para que otros autores los emplearan. En el caso del trepamuros, Brian Michael Bendis uniría sus fuerzas con uno de los dibujantes de la franquicia arácnida, el eficaz Mark Bagley. En el caso de los pupilos de Charles Xavier, Mark Millar haría lo propio con dos ilustres dibujantes de la escudería mutante, los hermanos Andy y Adam Kubert. Viéndolo con la perspectiva que dan los años, quizá la casa de las ideas (en este caso recicladas) quería jugar la carta segura de dibujantes que conocieran los personajes y meter la cuña de guionistas que sonaban muy fuerte en el panorama yanqui. El resto, hasta el momento presente, es historia, pero por lo que respecta a la Patrulla-X “ultimatera”, los prometedores comienzos derivaron en una situación muy parecida a la de la serie original: autores dedicados a reciclar conceptos del pasado, para realizar historias sin capacidad para sorprender; cambios estéticos para una colección que no dejaba de reflejar, mal que bien, el estado de una franquicia que al correr de los años estaba perdiendo la frescura. Junto a Ultimate Spider-Man y Ultimates, cuyo éxito es incontestable, encontramos otras series como la ya mentada o la dedicada a los Cuatro Fantásticos donde la sombra de los originales seguía siendo muy alargada. La solución vino dada, de forma más que radical, por la saga Ultimátum, en la que el guionista Jeph Loeb convertía la franquicia (y gran parte de Nueva York) en un solar. La peor parte del desastre se la llevaron los mutantes, tanto del bando de la Patrulla-X como de su tradicional enemigo, Magneto, ya que personajes que en la franquicia original eran intocables cayeron en combate o asesinados. A ello había que sumar la sorprende revelación acerca del origen de la especie “homo superior”, mucho más artificial y menos grandioso de lo que se creía. Malos tiempos para la lírica y para tener un código genético alterado. Es a partir de este punto que Jeph Loeb, al que ya hemos visto dando su versión de los Ultimates, decide construir una nueva Patrulla-X sobre las cenizas de la antigua. La miniserie presenta la clásica historia de reclutamiento que antaño se contaba en seis viñetas y ahora necesita un arco argumental completo. En cada uno de los seis números se nos presenta a uno de los futuribles integrantes del nuevo equipo; algunos ya son conocidos, en tanto que otros son nuevos. Todos ellos son integrantes de una especie agonizante y cada uno tiene sus propios motivos para unirse a un proyecto que los pondrá de nuevo en primera línea de fuego, pues la opinión pública todavía no ha superado el hecho de que Magneto desencadenara el apocalipsis. Lo que en la versión original se presenta como un trasunto alegórico del odio al diferente, aquí tiene una cierta justificación en el hecho de que en nombre de la diferencia genética alguien provocara daños personales y patrimoniales de magnitud incalculable. A su manera, cada uno de los integrantes del quinteto es víctima de la aprensión y del odio que genera su propia condición vital, siendo este factor el que, sumado a la razón particular de cada uno, lo que les mueve a aceptar la oferta que se les presenta. Jeph Loeb desarrolla una historia de reuniones que solo puede ser calificada como correcta. El veterano guionista juega con diversos recursos narrativos, como son la presentación de cada personaje como prólogo necesario al inevitable reclutamiento o la presencia de narradores que, fuera de plano, dan al lector los datos necesarios para terminar de “pintar” el retrato del protagonista de turno. Como curiosidad, hay que destacar que no es el personaje principal de turno el que actúa como contador de la historia, sino alguien relacionado con él. En el primer capítulo encontramos a la versión “ultimatera” del matrimonio Hudson, los cuales tienen a su cargo a un adolescente rubianco llamado James, siendo el padre putativo del chico el encargado de contar lo que ya queda patente desde que se observa la portada del tebeo: que el muchacho es hijo del difunto Lobezno. Puede que el garras original esté fuera de combate y criando malvas, pero ello no es óbice para que se pueda encontrar algún sosias (después de todo, en la franquicia original ya tiene un par) aunque en esta ocasión ciertas peculiaridades de sus poderes se expliquen de una manera un tanto ridícula. En el segundo capítulo tenemos a Karen, la querida dependienta de una tienda en un centro comercial; el narrador es su novio, que cuenta una historia de amor que contrasta con la visión que tenemos de un día en la vida de la joven: donde él ve amor ella presenta una profunda tristeza, provocada por la pérdida y por la necesidad de ocultarse. En la tercera entrega tenemos una historia de corte policiaco, donde el recluta mantiene un fraternal parentesco con el narrador, uno de los azules de Chicago que recibe la orden de perseguir a un misterioso justiciero alado que, mire usted por dónde, es temido y odiado por los parroquianos a los que guarda. La cuarta parte nos presenta a otra vieja conocida, Liz Allen, Estrella de Fuego, que se ha mudado a California con su madre (la narradora de este capítulo) y un hermanastro muy parecido al padre de ambos, la Mole. El resultado es un trasfondo propio de película de instituto estadounidense que acaba albergando una historia de corte más dramático, aunque en general todos los detalles nos recuerden que maese Loeb hizo algunas armas en el género fílmico de los adolescentes más o menos salidorros. El capítulo final presenta ya a la alineación reunida y enfrentada con otros mutantes que también han hecho los deberes en ese sentido, pero que siguen los dictados del otro líder mutante y adversario de Charles Xavier. La adición de dos personajes provenientes de otros parajes de la franquicia “ultimatera” sirve para conectar la miniserie con el resto de las colecciones del sello, al tiempo que deja abierta la puerta a una continuación que correrá por derroteros diferentes y con otros autores. Ultimate-X es, en definitiva, un nuevo capítulo en la historia de los mutantes de ese universo que acabó reconvertida, por obra y gracia de los sucesivos retrasos, en el prólogo de uno. En la parte gráfica resulta agradable encontrarse nuevamente a Arthur Adams haciendo los dibujos de un proyecto de estas características, aunque su proverbial lentitud haya contribuido a los ya mencionados retrasos. A cambio, deleita a la parroquia con unas ilustraciones llenas de detalles en las que demuestra nuevamente su capacidad para llevar a cabo una ambientación perfecta de un relato que en cada una de sus partes supone un cambio de escenario. Es una verdadera pena que no se le pueda ver más a menudo en proyectos como éste. Ultimate-X es un tebeo que permite recordar que Jeph Loeb tiene la capacidad de darlas tanto de cal como de arena: un ejercicio notable de fundación de un equipo según los cánones de las historias estiradas que, desgraciadamente, se ha quedado en el arañazo a una superficie que otras personas se han encargado de seguir perforando. El formato escogido por Panini no está mal, aunque resulte un tanto excesivo de precio para los tiempos que corren, notándose el deseo de aprovechar que don Art se prodigue más de lo que viene siendo habitual en su persona. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 27 de diciembre de 2011.
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| Saint Seiya. Los Caballeros del Zodiaco. Capítulo de Hades: Infierno |
2018-08-02 |
Título: Saint Seiya. Los Caballeros del Zodiaco. Capítulo de Hades: Infierno Formato: Serie de doce episodios distribuidos en tres DVD / blu-ray. Edición original: 2005-Toei Animation Edición España: 2011-Selecta Visión Idiomas: Español (2.0 Dolby Digital, 5.1, Dolby Digital, 5.1 DTS), Japonés (2.0 Dolby Digital); subtítulos en español Formato: 4:3 Precio: 14,95 € Tres años ha habido que esperar para que la distribuidora española de las aventuras de los Caballeros del Zodíaco publicara la continuación de la Saga de Hades. Si en 2008 veía la luz el capítulo del Santuario, la primera entrega de la que, por entonces, era la aventura final de Seiya y sus compañeros de armas, ha sido 2011 el año elegido para que podamos disfrutar (y viva la ironía) del capítulo del Infierno. Por esas curiosidades que tienen la vida y la importación de animes, por aquí nos acercábamos a una versión oficial de la serie cuando en Japón ya se estaban emitiendo los capítulos finales de la historia. El relato comienza justo donde terminaba el anterior: los Caballeros de Atenea han asaltado el castillo de Hades, pero las huestes del señor del inframundo se han replegado hacia los dominios infernales de aquél. La treta ejecutada por la diosa helena y Shaka de Virgo ha sido descubierta, por lo que Pandora y los tres jueces del inframundo, han decidido capturarla antes de que llegue a amenazar a su señor. Pegaso, fiel a una larga experiencia de actuaciones poco meditadas y de ataques suicidas, se bate con Radamantis, principal de los magistrados del reino de los muertos y acaba cayendo por el pozo interdimensional que une a éste con los dominios de los vivos. Dragón, Cisne y Andrómeda se disponen a seguirle, con el fin de ayudarle en la misión de llevar a Atenea su armadura de combate. Desde el primero de los doce capítulos queda patente que la serie, al igual que el manga original, empieza a mostrar unos preocupantes signos de reiteración, no solamente argumental. Si el capítulo del Santuario había permitido que los Caballeros de Oro tomaran un merecido protagonismo, en este capítulo del Infierno volvemos al esquema habitual de “Atenea está en peligro y el quinteto habitual salta a la cancha”. Por de pronto, hay que superar el primer obstáculo, que es llegar vivo al reino de los muertos. No hay problema, pues Dokho de Libra muestra a su discípulo preferido y a sus dos compadres la existencia de un octavo sentido, que tardan unos instantes en dominar (cuando la propia Atenea y Virgo tienen poco menos que inmolarse para traspasar la frontera del hades). Comparado con el duro aprendizaje que supuso en la inmortal batalla del Santuario la adquisición del séptimo sentido, la conciencia de un nivel superior es pan comido. Una vez en las estribaciones de un infierno de configuración dantesca, los caballeros se separan inexplicablemente. Shun aterriza no lejos de donde Seiya hace la siesta, en tanto que Shiryû y Hyôga aparecen por otra parte. De Dohko no volveremos a saber nada de interés, aunque sí podremos ver a Kanon de Géminis vistiendo la armadura de su difunto gemelo. Los espectros que pululan por los dominios de Hades presentan diseños interesantes y evocan elementos provenientes no solo de la mitología griega, sino de otras como la egipcia o incluso la tolkieniana. Sin embargo, la historia cae en la repetición del esquema habitual: presentación del adversario, diálogo cargado de sentencias a cual más maniquea sobre el bien y el mal, intercambio de técnicas y victoria de los de siempre. En descargo de la serie hay que decir que sigue a pies juntillas el desarrollo del manga, pero lo que no tiene perdón es la ejecución (y nunca mejor dicho) que se lleva a cabo a la hora de trasladarlo a la animación. Después de haber visto el despliegue de medios de los trece episodios precedentes, nos encontramos con una economía de movimientos que hace que el resultado final esté más próximo a cualquier entrega de los Fruittis que a los citados. Para desgracia de cualquier aficionado al buen anime en general y a Los Caballeros del Zodiaco en particular, el nivel de cutrerío se irá haciendo más y más acentuado hasta alcanzar cotas de auténtica miseria en las entregas que componen el episodio ambientado en los campos elíseos, motivo por el cual se han alzado algunas voces reclamando una nueva versión que permita olvidar tan mal sabor de boca. La sensación de repetición se hace más patente cuando hace acto de presencia Orfeo de la Lira, un caballero de plata cuya historia es precisamente la de su tocayo mitológico. Con éste son ya tres los guerreros provistos de armas de cuerda, sin contar al dios Abel. Diseño y aspecto son muy similares a los de Mime de Benetnasch y en la primera de las películas de Saint Seiya –aquélla en la que se enfrentaban a la diosa de la discordia- hubo otro Orfeo de la Lira. Su aparición es otra nueva ocasión de comprobar la desidia con la que se ejecutó el proyecto, pues sus escenas están muy por debajo de las protagonizadas por su contrapartida asgardiana. Por otra parte, la banda sonora resulta perfectamente identificable, por cuanto no deja de ser un refrito de las inolvidables composiciones que Seiji Yokoyama realizara para la serie original. Las canciones de entrada y de salida, que sí son nuevas y, como en El lienzo perdido, han sido traducidas e interpretadas en español. El resultado es el habitual, con letras un poco en la línea de “vamos a por ellos que son pocos y cobardes” (en la primera) y en la de “qué cansado estoy pero hay que luchar por la paz y el amor” (en la segunda) aunque sorprendentemente, en este último caso el resultado no es tan de festival veraniego de la canción moderna. En conclusión, tenemos una continuación que, ni de lejos, está a la altura del episodio del Santuario y que solo completistas que puedan aguantar los despropósitos de la animación deberían adquirir. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 5 de diciembre de 2011.
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| Los Vengadores: Y el telón cayó |
2018-07-27 |
Título: Los Vengadores: Y el telón cayó Formato: Tomo en tapa blanda de 240 páginas de la línea Marvel Gold Autores: (G) Roger Stern, Bill Mantlo (L) Sal Buscema, Al Milgrom, John Byrne, Jackson Butch Guice (T) Brett Breeding, Joe Sinnot, Rick Magyar (C) Christie Scheele, Carl Gafford (P) Al Milgrom Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 22,95 euros Comentario: Tercer tomo de la reedición que Panini está realizando de las aventuras vividas por los Vengadores después de los acontecimientos contenidos en su Biblioteca Marvel, y centrados principalmente en la recordada etapa de Roger Stern. En esta entrega podemos ver como el guionista se aposenta definitivamente en la colección, sentando las bases que marcarán su estancia en la misma. Atrás quedan ya los dias en los que de un número a otro podia haber un cambio casi total en el equipo creativo, pues junto a don Roger hará su aparición otro ilustre dibujante de la Marvel de esos dias: Allen Milgrom. El trazo inconfundible de sus lápices aportará innumerables horas de diversión a una parroquia que, aún hoy, tiene bien presente en la perola colectiva el nombre de este caballero que, hasta su ¿marcha? de la casa de las ideas hizo prácticamente de todo: a su labor antedicha hay que citar sus trabajos como entintador, guionista y hasta editor. Durante la mayor parte de su estancia en Los Vengadores (de los que solamente saldrá para irse a la colección californiana de la franquicia) estará acompañado por las tintas del veterano Joe Sinnot, el cual remarcará profundamente la influencia «kirbiana» que destila buena parte del dibujo de Milgrom. Lo primero que hará Stern será terminar de limpiar la mansión vengativa de todo aquello que le estorba en la realización de sus planes. Lo primero es poner fin a la caída a los infiernos de Henry Pym. El miembro fundador del grupo que más veces ha cambiado de identidad está pasando una temporada de vacaciones pagadas a costa del erario público yanqui, mientras espera ser sometido a juicio. Su enfrentamiento con los Vengadores es el último capítulo de una serie de meteduras de pata, provocadas por una inestabilidad mental que en los últimos tiempos se ha agravado. La cárcel ha sido el castigo por un comportamiento en el que su viejo adversario Cabeza de Huevo ha tenido todo que ver, pero nadie cree ya a un héroe caído en desgracia. En el primer capítulo del tomo, don Roger hace un resumen magistral de la historia de Pym, presentando a un hombre vulnerable y carcomido por un complejo de inferioridad que le impide afrontar la magnitud de sus logros. Su relación con Janet Van Dyne, la Avispa, es presentada, con la perspectiva que da el repaso, con un matiz ciertamente enfermizo. Henry veía en ella el recuerdo de su primera esposa, fallecida durante una visita a la Hungría de los dias de la guerra fría. Chaqueta Amarilla hace balance de su vida y la presenta como un cúmulo de desdichas. El lector puede llegar a sentir auténtica lástima por un individuo que, contando con ingenio, recursos y el apoyo incondicional de la persona amada, se las ingenia para que, consciente o inconscientemente, las cosas salgan mal. La creación de Ultrón, la crisis mental que le llevó a tener el valor de pedir matrimonio a Jan, la manipulación de la que es víctima en diversas ocasiones… Stern, brillantemente secundado por Sal Buscema y Brett Breeding, presenta a un hombre que ha tocado fondo y que se levanta para recuperar la dignidad inherente al hecho de que, pese a su historial negativo, quiere librar una batalla, aunque perdida, por su inocencia. El guionista dará al personaje una despedida más que digna (aunque luego guionistas como Englehart, Harras o Bendis hayan abierto una puerta que estaba bien cerradita). Está más interesado en Janet, en hacerla crecer como personaje y abandonar su imagen de mujer frívola, superficial y débil. Para ello hay que poner fin a su relación con Hank y a la presencia de éste en el equipo. En una estampa ya dibujada por Milgrom y Sinnot, la Avispa llorará la pérdida o, mejor dicho, el fin de una época. La que se abriría a continuación marcaría uno de los tiempos dorados del personaje. A continuación y de forma paralela, irá afianzando a Hulka y la Capitana Marvel en el grupo. La primera mantendrá gran parte de la exuberancia que la caracteriza, aunque ya perdido el aspecto salvaje que la definiera en su primera colección. Jennifer tendrá sus más y sus menos con Ojo de Halcón, que muestra su habitual tendencia a la rebeldía con una creciente veneración por el grupo y sus tradiciones (la cual crecerá cuando se haga jefe de la división de la costa oeste). La segunda, por su parte, tiene la condición de ser la niña bonita de Stern, lo cual queda patente tanto por su nivel de poder como por su desparpajo a la hora de echarles cuatro gritos a los veteranos en un momento de bajona. Su desarrollo como personaje abarcará toda la etapa de su creador y alcanzará su culmen casi al final de la misma. Después pasará a ser un personaje de segunda fila, quizá injustamente olvidado salvo por casos puntuales como cierto proyecto de Warren Ellis. El creciente protagonismo de Mónica y Jennifer contrastará con la marcha del Hombre de Hierro, propiciada por la segunda caída de Tony Stark en el vicio del pimple y su sustitución por James Rhodes. Cabeza de lata se incorporará a los Vengadores Costa Oeste y solo se dejará ver puntualmente por Nueva York hasta pasados unos buenos años, aunque los motivos de esta separación quedan para más adelante. Por su parte, Thor comenzará en breve a vivir la que para muchos –entre los que me incluyo- es su mejor época, la de Walter Simonson. El progresivo distanciamiento de estos pesos pesados propiciará el regreso de dos personajes básicos en cualquier alineación vengadora clásica: la Visión y la Bruja Escarlata. Su reaparición, en el marco de la lucha contra Annihilus, desencadenará otra trama que habría de traer cola en la historia de la parejita, pero no adelantemos acontecimientos. Por último, un nuevo vengador hace su aparición, directamente desde el departamento cósmico: Eros de Titán. El antiguo compañero de armas del Capitán Marvel hace su aparición a la caza y captura de aventuras, lo que será una buena ocasión para que Mónica se cuestione la elección de su «nombre de guerra» y para que Jan se saque de la manga otro apodo con gancho (alegando que para la pacata administración Reagan «Eros» resulta un nombre un tanto incómodo): Starfox. El grupo, en pleno proceso de asentamiento, tendrá aventuras de todo tipo, pero desde luego, no habrá mucho tiempo para el reposo. Primero será el Hombre Planta el que intentará hacerse con el control de SHIELD, dando ocasión para que Stern se burle un poco del entonces máximo mandatario estadounidense, Ronald Reagan (aunque no llegue a los extremos de volverle semi-reptiliano, como haría años más tarde Mark Gruenwald). Después, los Vengadores y los Cuatro Fantásticos vivirían desde ángulos muy distintos el ataque de Annihilus, en un curioso cruce realizado por Stern y John Byrne, autor por aquellos días de la serie protagonizada por Richards y su familia y amigo de don Roger de los días del friquismo aficionado. Byrne será quien realice los lápices del número de la serie vengativa centrado en esa historia; el acabado, realizado por Sinnott, permitirá remarcar las reminiscencias kirbianas en la obra de don John, con lo que este tomo nos permite ver cuán distintos derroteros toma el legado del rey entre la generación posterior. Después, otro poquito de introspección para que la afición haga repaso de la historia de la Bruja Escarlata y se inicie otro cruce más o menos directo con la colección del Doctor Extraño (que en aquellos días vivía también momentos de gloria gracias precisamente a los guiones de Stern). El tomo se completa con un nuevo anual, elaborado por el siempre eficaz Bill Mantlo y por un primerizo e irreconocible «Butch» Guice. En la introducción del volumen se plantean ciertos problemas relacionados con la continuidad, pero para ser una aventura autoconclusiva, no está mal. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 15 de noviembre de 2011.
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| Astonishing Thor |
2018-07-26 |
Título: Astonishing Thor Formato: Tomo recopilatorio en tapa dura de la serie Marvel Graphic Novels Autores: (G) Robert Rodi (L) (T) Mike Choi (C) Frank D´Armata (P) Mike Choi Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 15 euros Comentario: La incursión cinematográfica del dios del trueno marveliano ha servido para colocar en el mercado multitud de productos protagonizados por el hijo rubianco de Odín. Esta táctica comercial, ya se ha dicho, es bastante habitual y sirve para que veamos toda suerte de experimentos, algunos mejores, otros peores y por lo común olvidables. Sin embargo, en ocasiones, una cierta cantidad de lodo oculta alguna que otra pepita dorada, siendo este Astonishing Thor un buen ejemplo. La historia viene firmada por un caballero que viene siendo habitual en lo que a especiales protagonizados o relacionados con Thor se refiere: Robert Rodi. No hace muchos meses que me tocó hablar de su anterior incursión en la vida del asgardiano, también firmada por un ilustrador de prestigio como es Simone Bianchi. Si nos remontamos un poco más atrás podemos encontrar Loki, plasmada en imágenes por un dibujante de la talla de Esad Ribic. Todas ellas miniseries que Panini ha englobado dentro de la tapa dura de una línea absurdamente etiquetada con una denominación en lengua inglesa, aprovechando para sacar unos cuantos (d)uros más. En todas ellas, Rodi ha demostrado conocimiento del personaje y su(s) mundo(s) y capacidad para desarrollar buenas historias. Sin embargo, también hay que advertir que si bien su estudio sobre Loki resultó original y entretenido, su siguiente incursión en el paisaje asgardiano resultó bastante más pobre, con una historia que prometía mucho y terminó de forma apresurada y a trompicones. Así pues, con una de cal y otra de arena, había que plantearse si esta tercera acometida del señor Rodi iba a caer de un lado o de otro. La aventura sitúa a Thor en otro de sus grandes escenarios: el espacio. Tradicionalmente, el dios del trueno vikingo se ha movido a caballo entre los mundos de Asgard (por herencia paterna) y Midgard (por impulso materno) con numerosos y largos intermedios paseándose por el cosmos en los que la mitología dejaba paso a la ciencia-ficción o, mejor dicho, a la ficción vagamente científica. En esta ocasión, don Robert decide que el melenudo del martillo abandone la Tierra para averiguar la causa de una serie de perturbaciones meteorológicas que parecen ser el preludio de algo mucho más gordo. En sus investigaciones se acabará topando con varios personajes habituales del cosmos marvelita, algunos dotados de la solera de haber sido creados por Stan Lee, Jack Kirby o Don Heck como son Ego el planeta viviente, el Extraño o el Coleccionista. Los tres elementos cuentan con el denominador común de ser entidades extremadamente poderosas y con un grado de alejamiento de la humanidad que les ha permitido ser empleados alternativamente como aliados o como enemigos del héroe de turno. El primero de ellos, un planetoide dotado de consciencia, inteligencia y una elevada dosis de malevolencia, se ha movido siempre entre la depresión causada por la soledad y la psicosis que prologa una furia genocida. El segundo, una especie de científico de habilidades divinas, ha sido tanto la ayuda inesperada como el enemigo al que no se puede separar de la agenda trazada. El tercero, Taneleer Tivan, es quizá de los tres es el que más se ha decantado siempre hacia el lado del mal, representado en su caso en la codicia de querer tener la colección más completa de todas. Su presencia se encuentra en historias tan memorables como La saga de Korvac o Contest of Champions. Desde la perspectiva y la experiencia de Thor, ninguno de los tres es de fiar. En esta ocasión, cada uno tiene sus propios intereses y, casualmente, todos suponen un grave riesgo para la Tierra y consecuentemente, el enfrentamiento con el vengador nórdico. La historia, evocadora de aquellas epopeyas espaciales con las que antaño deleitaban al respetable Stan Lee y Jack Kirby, presenta un tono que, en ocasiones, bien podría definirse, paradójicamente, como intimista. Los tres adversarios de Thor ocupan gran parte de la historia, la cual cuenta únicamente con la presencia de dos personajes más: uno es otra deidad climática que responde al nombre de Céfiro y que parece tener un pasado con el asgardiano; la otra es la causante indirecta de los cambios en el clima terrestre. Apenas seis personajes que, sin embargo, sostienen perfectamente una trama, merced a la majestuosidad de cada uno de ellos. Planetas vivientes, estudiosos cósmicos, deidades del clima… hasta un personaje habitualmente mezquino como el Coleccionista tiene ocasión de sacar pecho presumiendo de las riquezas que alberga su museo-prisión. En este punto se hace imperativo destacar el gran trabajo realizado por Mike Choi en cada pagina, que solo puede definirse como espectacular. El ilustrador consigue imprimir poder, terror y envergadura en un personaje como Ego que, no lo olvidemos, tiene un diseño tan potencialmente ridículo como es el de un cuerpo celeste con cara (modelo sol del mundo de los teletubbies, para entendernos). El resultado final es un relato donde Rodi consigue hacer lo que no pudo en su trabajo anterior con el personaje: mantener un ritmo uniforme y dar a prólogo, desarrollo y desenlace el espacio que cada uno requiere. En conclusión, tenemos una historia a la que pueden acercarse aficionados a Thor y a los barrios estelares marvelianos. Las ilustraciones y el carácter cerrado de la historia pueden justificar la elección del formato en tapa dura, pero el precio será, sin duda, el principal handicap para acceder a esta novela gráfica. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 8 de noviembre de 2011.
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