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| Ghost Rider 2: Espíritu de venganza |
2018-10-18 |
Título: Ghost Rider: Espíritu de venganza Formato: Película estrenada el 24 de febrero de 2012 Guión : Scott Gimple, Seth Hoffman, sobre una historia de David S. Goyer Dirección : Brian Taylor, Mark Neveldine Reparto : Nicolas Cage, Fergus Riordan, Ciarán Hinds, Violante Placido, Idris Elba, Christopher Lambert, Johnny Whitworth Música : David Sardy Productora: Hyde Park Entertainment, Imagenation Abu Dhabi, Marvel Knights, Crystal Sky Pictures Distribuidora: Columbia Pictures, Warner Brothers Pictures Comentario: Mientras buena parte del equipo de Zona Negativa está cubriendo la ceremonia de la octogésimo cuarta edición de la gala de los premios Óscar, me toca aportar un granito de arena a la tarea de hablar un poco sobre el séptimo arte, centrándome en una película estrenada en España el pasado viernes: la segunda parte de las aventuras cinematográficas del Motorista Fantasma, más conocidas por la polémica judicial entre Gary Friedrich y Marvel que por sus virtudes fílmicas. Al frente de la cinta, un Nicholas Cage que después de años y años buscando su lugar en el negocio de las adaptaciones superheroicas (en parte por su afición lectora al género) y de postularse como un inverosímil Superman (en la fallida versión de Tim Burton) o un difícilmente imaginable Tony Stark, ha encontrado su sitio interpretando a Johnny Blaze, el motorista acróbata que hizo un pacto demoníaco que le convirtió en la prisión del demonio Zarathos. Cuando en 2007 se estrenó la primera película del Motorista Fantasma, nadie hubiera dado un duro por la posibilidad de una continuación: Cage llevaba una rata muerta en la cabeza y uno se preguntaba qué pintaban por allí Peter Fonda (a lo mejor recordando sus días de motero en Easy rider) o Sam Elliott (a lo mejor recordando lo bien que queda haciendo de vaquero). La película combinaba ambientes y aspectos de las series de los setenta y los noventa, sin terminar de decantarse claramente y siendo vapuleada por la crítica, aunque hay que reconocer que tenía detalles para echarse unas cuantas risas (empezando por el adminículo piloso artificial de la testa de don Nicolás). El ser humano es el único bicho que tropieza dos veces en el mismo tonique, así que el destacado miembro de la familia Coppola ha vuelto a la carga motorista con una historia firmada por David S. Goyer (responsable de los guiones de Blade I y II y del Batman de Nolan, pero también de la dirección de Blade Trinity y del guión del Nick Furia de David Hasselhoff) despojado de pelambres espurias y armado con unos recursos histriónicos propios de un Jack Nicholson en su peor día o de un Bill Shatner pasado de rosca. La historia de esta secuela nos lleva a Europa del este, donde Moreau (Idris Elba) localiza a un Johnny Blaze que ha huido desde Estados Unidos intentando dominar al demonio que alberga en su interior. Quiere reclutarle para que le ayude a rescatar y a poner a salvo a un chico que puede ser el próximo receptáculo del Diablo (que ya no es Mefisto sino Roarke pues, como dice Moreau, parafraseando a Warren Sánchez, el maligno tiene muchos nombres). El muchacho ha sido concebido como parte de un contrato muy similar al que en su momento se unió Blaze: Nadya, una joven gitana (interpretada por Violante Placido, actriz e hija de Michelle Placido, el inolvidable Comisario Cattani de La Piovra) salvó la vida a cambio de engendrar a un varón que a los trece años habría de ser devuelto a su progenitor. A cambio de su colaboración (que implica liberar al motorista) Blaze podrá ser liberado de su maldición por los mentores de Moreau, una misteriosa orden monacal. A partir de ahí se abre un descacharrante hilo de gamberradas visuales (algunas a modo de tebeo), argumentales y conceptuales, dignas del mejor cine de serie Z, con Cage haciendo un montón de muecas que convierten a Blaze en el descendiente directo de cualquier villano de vodevil o de película italiana de bárbaros. Mención especial merecen el episodio de su transformación (psicotronía pura y dura) así como la alucinante narración (con imágenes incluidas) de lo que supone aflojar la vejiga transformado en esqueleto llameante. Más que de terror, la cinta es de humor involuntario, vistas y oídas las carcajadas emitidas por el respetable. Otro detalle a tener en cuenta por parte de la afición al cine del güeno (pero güeno güeno de verdad de la güena) es la aparición / rescate del legendario Christopher Lambert, que interpreta con sus dotes habituales al jefe de la orden a la que pertenece Moreau. Después de haberle visto sumamente deteriorado y atarugado en Los Inmortales IV, me parece que ha recuperado parte de su planta, aunque sus virtudes actorales siguen más o menos como siempre: mirada sobrada estilo “solo puede quedar uno” y molinete con espada (que, ay, no era su inseparable katana). Entre tanto disparate argumental y fílmico hay tiempo de disfrutar de los paisajes que ofrecen tanto Rumanía como Turquía. El Motorista Fantasma deja su estela de fuego por los rincones en los que se rodaron cintas tan memorables como Turist Omer uzay yolunda, Supermen Donuyor o Dunyayi Kurtaran Adam. Con semejante película y tales paisajes, uno –que ha transitado por lo mejor de lo peor del selecto cine otomano- piensa en Cuneyt Arkin (aguerrido karateka de la Guerra de las Galaxias turca) o en Aytekkin Akkaya (inverosímil centinela de la libertad en Capitán América y Santo contra Spider-Man). Si no conocen estos títulos ya tardan, pero les aseguro que su calidad es comparable a la de este Espíritu de Venganza. Motos, camiones, ambulancias, grúas y furgonetas. Tiros, explosiones y alguna ostia como pan. Guerras entre el cielo y el infierno, monjes y matones del crimen organizado. Y el Cage desaforado como nunca. Serie zeta y hasta doble zeta en dos y tres dimensiones, para el niño y la niña. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 27 de febrero de 2012.
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| Haarman. El carnicero de Hannover, un asesino en serie |
2018-10-04 |
Título: Haarmann. El carnicero de Hannover, un asesino en serie Formato: Novela gráfica en tapa dura en blanco y negro Autores: (G) Peer Meter (L) (T) (P) Isabel Kreitz Editorial: La Cúpula Precio: 20,00 euros Comentario: A pesar de su tradicional vinculación a los géneros relacionados con la ficción, la aventura, la evasión o lo infantil, el tebeo es una herramienta relatora tan buena como pueden serlo la literatura, el cine, la televisión o la dactilografía. Probablemente todos recordemos obras que, con ese formato o uno similar nos introdujeron en alguna disciplina que, dejada al albur de los textos tradicionales, habría resultado bastante más árida. En fechas más recientes, obras como La Física de los superhéroes han servido para hacer más ameno el estudio de dicha ciencia a nuevas generaciones de estudiantes. El cómic es también un buen artefacto de divulgación, pudiendo convertirse en un vehículo para dar a conocer pequeñas historias dentro de la Historia, como han hecho Peer Meter e Isabel Kreitz con esta dura, durísima novela gráfica. Los autores han echado mano de uno de los episodios más siniestros de la descompuesta Alemania que quedó tras el final de la Primera Guerra Mundial y las draconianas imposiciones de la paz de Versalles. La República de Weimar se esforzaba en construir un Estado liberal en unos tiempos en los que empezaban a propagarse los movimientos reformistas y revolucionarios y sus contrapartidas fascistas, siendo el país germano uno de sus principales escenarios. Una revolución duramente reprimida convivía con las tropelías de unos cuerpos francos que se negaban a rendir sus banderas y corrían arriba y abajo por las inestables repúblicas bálticas. Una sociedad hundida por la escasez albergaba a los antiguos jefes del caído imperio, ansiosos por maquinar el desquite de 1919 y cobijaba a los futuros artífices del más siniestro de los regímenes que haya contemplado el mundo. En este caldo de cultivo hizo su aparición Fritz Haarmann, más conocido como el carnicero o el vampiro de Hannover, un psicópata que acabó ejecutado por la muerte de varias decenas de personas, principalmente chicos adolescentes. La novela presenta la historia al más puro estilo “Colombo”. Desde un principio conocemos al individuo, su entorno y su modus operandi. Los autores no se han cortado un pelo a la hora de mostrar las mañas de una persona desequilibrada que, para terminar de rematar sus hazañas, tenía a bien vender como carne caballuna o porcina los restos mortales de sus víctimas, cuyas pertenencias también eran objeto de aprovechamiento por parte del desquiciado Fritz. Meter y Kreitz muestran el grado de degradación individual y colectivo en el que se ha hundido la deprimida sociedad hannoveriense. Los vecinos de Haarmann aceptan la carne que les ofrece a un precio sospechosamente bajo sin hacer preguntas; la policía ha hecho de él una especie de confidente / agente civil para que les ayude en sus pesquisas contra el colectivo homosexual (al que en aquellos días se le aplicaban normas con términos tan expresivos como la “ley de vagos y maleantes”). Fritz se valdrá de esa píldora de poder para poder seguir haciendo de las suyas y para meter en un aprieto a los estamentos policial y judicial cuando el pastel se destapa. La novela cuenta con un epílogo en el que hay una breve biografía de todos y cada uno de los personajes implicados en la infame historia, haciéndose especial mención al intento de controlar a los medios de comunicación y al hecho de que solo la actitud rebelde de algún que otro periodista permitió arrojar algo de luz sobre la forma en la que, presuntamente, se habían desarrollado los acontecimientos. Con todo, el tebeo no deja de ser una versión de los hechos donde, a partir de lo que sí está probado se elucubra sobre aspectos concretos de la historia, como el papel de Hans Grans, amante de Haarmann que en algunas fuentes aparece como cómplice y en otras, como ésta, donde se plantea una actuación más inocente (o, al menos, de vista gorda). En su parte gráfica hay que destacar la conseguida atmósfera de depresión y decadencia que se refleja en las calles de Hannover por las que el carnicero cometió sus crímenes. Kreitz logra la ambientación que se exige para una historia que no da concesión ni tregua algunas. Un relato que no es apto para todos los públicos y que de seguro llenará de desazón a quienes se acerquen a él, precisamente por ser la historia de un ser humano que existió y que prodigó la muerte a sus semejantes. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 20 de febrero de 2012.
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| Nuevos Titanes: Juegos |
2018-09-28 |
Título: Nuevos Titanes: Juegos Formato: Novela gráfica en tapa dura de 144 páginas a color Autores: (G) Marv Wolfman, George Pérez (L) George Pérez (T) George Pérez, Al Vey, Mike Perkins (C) HI-FI (P) George Pérez Editorial: DC Comics / ECC Ediciones Precio: 15,95 euros Comentario: Han tenido que pasar casi veinticinco años, pero por fin Marv Wolfman y George Pérez, fundadores y equipo supremo de los Nuevos Titanes tal y como los conocemos han podido echar el resto para dar a la afición la prometida novela gráfica del grupo. Lo que empezó planeado y planteado como un capítulo especial con influencia remarcable en la continuidad del grupo ha acabado siendo la historia de despedida de un dúo que ha dado a DC dos de sus obras más importantes: Los Nuevos Titanes y Crisis en las Tierras Infinitas. La historia –y la maldición- de Juegos es tan conocida como la de otros proyectos de desarrollo infructuoso, como el mítico Vengadores / Liga de la Justicia (también con dibujos de Pérez, el cual debe ser uno de los dibujantes más optimistas de la industria estadounidense) y en la propia novela son don Marv y don George los que se encargan de hacer memoria y remontarse a los años ochenta, cuando los Nuevos Titanes eran una de las colecciones imprescindibles y DC se había renovado gracias a la ya mencionada Crisis. El mundo todavía se dividía en bloques y la perestroika no había supuesto aún la caída del telón de acero. La moda todavía se nutría de hombreras, cardados y “mullets”. Wolfman y Pérez se pusieron a la faena y diseñaron una trama que se nutría de todo lo anterior; el artista de Puerto Hurraco Rico dibujó las setenta primeras páginas y ahí quedó la cosa. Las obligaciones profesionales de uno y otro les llevaron por caminos divergentes y, después de un par de intentonas fallidas, veinticinco años después de la primera idea y treinta desde que aparecieran los Nuevos Titanes, podemos disfrutar de una nueva / vieja historia de los creadores y equipo de referencia del grupo. La historia comienza con una serie de atentados desarrollados a lo largo del globo por lo que parecen ser organizaciones terroristas. El agente y analista de inteligencia Kingsley Faraday señala que este tipo de enemigo es distinto de aquél que ha ocupado la mente de los Estados Unidos desde el final de la Segunda Guerra Mundial, pues no tiene una capital, unas fronteras o un ejército que se pueda identificar. Como reconoce el propio Wolfman, en los textos de presentación y cierre, el argumento habría de resultar trágicamente profético. En uno de los atentados se encuentra un mensaje para el propio Faraday, el cual reconoce al que parece ser el director de orquesta de todos los atentados, un misterioso Director del Juego, antiguamente vinculado a la inteligencia estadounidense y diseñador de todo tipo de escenarios y simulaciones para preparar a sus patronos para lo mejor de lo peor. Apartado por sus superiores de la línea de investigación, Faraday decide echar mano de los Titanes para neutralizar los movimientos de un adversario que parece conocerle bien a él y a sus circunstanciales aliados. Una dramática partida que combina elementos de los juegos electrónicos, de rol y de tablero se iniciará en la ciudad de Nueva York. La historia presenta la alineación clásica de los Titanes, compuesta por Nightwing (con su uniforme estilo Elvis), Starfire (todavía unida sentimentalmente al anterior), Changeling (un Gar Logan con un peinado a lo MacGyver particularmente horroroso), Ciborg (un Víctor Stone bastante más agresivo de lo habitual, pero por motivos ciertamente lógicos), Jericó (el simpático titán mudo con otro de los entrañablemente horteras diseños de George Pérez), Troia (Donna Troy en sus días felices de mujer casada) y Raven (reafirmada frente a su herencia demoníaca). A ellos hay que sumar al repente niño vicente Danny Chase (que tendrá en esta historia un papel destacado). También habrá ocasión para que Speedy, Flash (Wally West), Aqualad o Lilith hagan su aparición, pero el peso de la historia recae en el grupo por antonomasia (ése que luego se llevará a la animación entre 2003 y 2006). Verles de nuevo reunidos de la mano de Wolfman y Pérez permite reflexionar acerca de los avatares de la franquicia y concluir que aunque el futuro haya traído otras historias, otros personajes y otros creadores, la imagen principal de los Nuevos Titanes será siempre la que diseñaron estos dos caballeros durante los años ochenta. Como consecuencia del retraso de décadas, lo que podía haber sido un hito en la evolución de los personajes pasó a ser un ejercicio de nostalgia pues, pese a la actualización operada en torno al argumento y el escenario, es inevitable encontrarse con ciertos anacronismos, algunos quizá expresados de forma consciente. Quienes leyeran y disfrutaran de las aventuras ochenteras de los Titanes harán bien en echarle un ojo a esta novela gráfica. Quienes no lo hicieran pueden tener en esta historia la excusa ideal para determinar si apuestan o pasan. Resulta paradójico que tanto la edición anglosajona como la celtibérica hayan visto la luz en pleno reseteo del universo DC, provocando unas inesperadas y quizá odiosas comparaciones. Tener una novela gráfica de los responsables principales del mayor ejercicio de “puesta-de-contador-a-cero” junto al errático y progresivamente incomprensible sistema organizativo de la nueva continuidad deceera invita a hacer una reflexión sobre el hecho de que a veces, el paso del tiempo no trae progreso (aunque está un poco feo por mi parte comparar un trabajo que llevó años de preparación documental con un cambio forzado de último momento en una historia alternativa directamente relacionada con La era de Apocalipsis). Si a ello le sumamos que estos Nuevos / Viejos Titanes han de convivir con los Novísimos Titanes con los que nos deleita (ejem) la sobresaliente pluma (y viva el eufemismo) de Scott Lobdell, nos queda que esta novela gráfica bien podría ser no solo el canto del cisne del equipo Wolfman-Pérez sino también el de una generación de artistas que ha venido a ser sustituida por lo mejor de lo peor de los siniestros (en más de un sentido) años noventa. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 14 de febrero de 2012.
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| Record of Lodoss War: La Bruja Gris |
2018-09-27 |
Título: Record of Lodoss War: La Bruja Gris Formato: Tomo recopilatorio en tapa dura Autores: (G) Ryo Mizuno (L) (T) Yoshihiko Ochi (C) (P) Editorial: Kadogawa Shoten / Planeta DeAgostini Comics Precio: 25 euros Comentario: Al sur del continente de Alecrast, se encuentra la isla de Lodoss, también conocida como “la isla maldita”. El nombre de Lodoss ha pasado por derecho propio a la historia del anime y podemos contarla sin ningún problema entre el conjunto de series que contribuyeron a asentar la afición por los tebeos y la animación provenientes de Japón por estos barrios. Record of Lodoss War o Las crónicas de Lodoss es el título de una franquicia de novelas de fantasía heroica escritas por Ryo Mizuno, las cuales están a su vez basadas en módulos de campaña para un juego de rol estructurado según los cánones de ADyD. La principal y más conocida de las historias es precisamente La bruja gris, pues a su desarrollo corresponden los trece capítulos de la serie de animación de mediados de los años noventa. Las historias de Mizuno presentan a un heterogéneo grupo de personajes que han de desempeñar una misión, como corresponde a la mejor tradición de los juegos roleros arquetípicos. En el caso que nos ocupa, tenemos a la que es, sin lugar a dudas, su alineación más popular. Todo comienza cuando Parn, el hijo mercenario de un caballero caído en desgracia, decide tomar una posición más activa en lo referente a las bandas de trasgos y kobolds que están arrasando los pueblos por los que pasan. Su decisión no es vista con simpatía por sus convecinos, que piensan que agachar la cerviz o mirar hacia otro lado puede ser mejor que intentar desafiar a tan sanguinarios visitantes. Opinan que las motivaciones del temerario Parn están relacionadas con el ignominioso fin de su progenitor, pero sobre todo tienen miedo. Sin embargo, el joven guerrero no está solo. Pronto se unirá a él su amigo Eto, sacerdote de Faris recién retornado tras terminar sus estudios, el cual, pese a tener la mente más fría que su camarada, comparte su opinión. Más tarde llegarán Ghim el enano –que ha prometido saldar una deuda rescatando a la hija perdida de su benefactora- y Slayn el mago –que aunque es más dado a los libros que a la acción, decide unirse a la partida-. Los cuatro armarán viaje para averiguar qué es lo que está sucediendo y no tardarán en reunirse con los dos últimos integrantes del grupo: Deedlit la elfa superior –que habrá de convertirse en el interés romántico de Parn- y Woodchuck el ladrón –que aportará una parte de la vis cómica en las peripecias del grupo, pero también será el protagonista de uno de los giros más dramáticos de la historia. A través de este heterogéneo sexteto, de sus ojos y oídos, conoceremos el presente y el pasado de la ensangrentada tierra de Lodoss, de los enfrentamientos entre dos poderosos reyes que antaño fueron camaradas de armas, de la eterna lucha entre los opuestos (bien y mal; luz y oscuridad; blanco y negro) y de la omnipresente influencia de Karla, la Bruja Gris del título, escondida tras los visillos del poder y decidida a mantener el control. Cualquiera que haya visto el celebrado anime o, más genéricamente, cualquiera que haya leído más de dos novelas de fantasía heroica, podrá identificar al grupo de Parn como la equilibrada banda que todo conjunto de jugadores de rol tiene que organizar para llevar a cabo una campaña en condiciones: hay seres humanos, elfos y enanos, los cuales se reparten las profesiones de caballero, mago, sacerdote, guerrero, ladrón y druida y las distintas habilidades que corresponden a cada categoría. Teniendo en cuenta que la fuente de inspiración es la misma –los socorridos Dragones y Mazmorras-, resulta inevitable trazar paralelismos entre ésta y otras sagas del género, en especial con la Dragonlance, cuya primera aparición es apenas dos años anterior a la creación de Mizuno. Así, Parn, como Sturm Majere, aspira a restaurar el legado de su padre, caballero y como Tanis, tiene como pareja (más o menos) a una alta elfa. La batalla entre la luz y la oscuridad, así como el papel de Karla, evocan el triple poder divino que se asienta sobre Krynn, así como la variedad de deidades a las que acogerse. Afortunadamente, los parecidos son superficiales y los héroes de don Ryo resultan más simpáticos e infinitamente menos cargantes que los creados por el dúo Weiss-Hickman. El mundo de Lodoss comparte además con otras sagas de similar pelaje un cierto regusto artúrico que algunos de los autores que han pasado por la franquicia se han encargado de reafirmar. En la parte gráfica hay que decir que el responsable de llevar a la viñeta, Yoshihiko Ochi, cumple con dignidad, aunque ni de lejos hace olvidar la magistral labor de Akihiro Yamada en La dama de Faris. No es la primera vez que este manga se reedita en España, pues data de 2004 una publicación en tres tomos cortesía de Norma, siendo ésta una buena ocasión para hacerse con la versión en papel de un clásico del anime, aunque aquélla no haya llegado en el manga a ser ni la sombra de lo que éste ha sido en la pequeña pantalla. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 24 de enero de 2012
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| Miedo encarnado |
2018-09-14 |
Título: Miedo encarnado Formato: Serie limitada de siete números en formato comic-book Autores: (G) Matt Fraction (L) Stuart Immonen (T) Wade Von Grawbadger (C) (P) Laura Martin Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 3,25 euros (primer número) 1,95 (los restantes) Comentario: Ya tenemos por aquí el nuevo cruce marveliano, profusamente reseñado en esta página a través de los diarios del miedo del amigo David Gavilán. Parece que fue ayer cuando el caballero glosaba los pormenores de Fear itself, y realmente lo fue, a la vista de la menguante separación entre las ediciones estadounidense y española. Qué tiempos aquéllos en los que una serie podía llevar un desfase de años, pero estoy divagando. Miedo encarnado empezó siendo una aventura para que el Capitán América y Thor explotaran su presencia en la gran pantalla durante el pasado año 2011, y ha acabado convirtiéndose en el enésimo cruce global de la casa de las ideas. Después de unos años de aventuras más reducidas en cuanto a implicaciones, volvemos a la mecánica modelo Invasión secreta o Actos de venganza, para que todo el que es alguien en el mundo marveliano y unos cuantos donnadies hagan acto de presencia y tengamos, al final del reparto de galletas, un nuevo orden de cosas, que últimamente no dan ocasión ni de que el polvo se asiente en las repisas. El punto de partida se presenta en torno a la situación de miedo que parece atenazar a la población de todo el mundo, y que se concreta en el primer episodio de la historia con un altercado que Steve Rogers, nuevo jefazo de los empijamados yanquis, es incapaz de domeñar. Los editores de Marvel querían jugar un poco con la situación actual de un mundo que mira al futuro con el pavor que imprime una crisis económica global y el incierto final de la misma en cuanto al cuando y al como. Pero no se preocupen o no se alegren anticipadamente: esto es un tebeo de gente en pijama que va resolviendo problemas a base del reparto continuado de formas, así que la situación viene relacionada, como causa y como efecto, con las últimas andanzas de Pecado, la hija de Cráneo Rojo. La vástago del difunto jerarca nazi se ha embarcado en una búsqueda que la lleva hasta una instalación de la sociedad Thule, un grupo de pirados antisemitas, anticomunistas y pirados aficionados al ocultismo. Los integrantes de tan singular jarca custodian un cachivache muy particular: un martillo. Mientras tanto, Odín ha decidido que ya está bien de vacacionar en la Tierra y ha dado la orden de retornar a la sede tradicional de Asgard, aunque para ello deba dar una paliza a su hijo Thor y llevarle a rastras de vuelta al hogar ancestral. La serie sigue la dinámica habitual en los últimos tiempos de volver todo del revés para luego alcanzar un desenlace donde hay, pretendidamente, cambios sustanciales en base a los cuales tirará durante todo un año (más o menos) el chiringuito. En el caso que nos ocupa, ya sabemos cuál es el destino de algunos de los personajes y qué es lo que va a pasar con ellos, así que solamente queda sentarse y disfrutar del paseo, en especial del gran trabajo desarrollado por Stuart Immonen. A la parte del guión se encuentra Matt Fraction, que actualmente se encarga de contar las aventuras de Iron Man y de Thor y que aquí tiene ocasión de presentarnos al Odín recientemente recuperado en la serie de aquel último. El padre de todos (cuyo regreso, después de una década, muchos entendíamos innecesarios) se asemeja más a la deidad intrigante y despiadada de la mitología que a la imagen de “papanué” sabio, de mal genio pero buen corazón a la que nos tenía acostumbrados el filtro marvelita. Parece ser que no era oro todo lo que relucía y que su patriarcado estaba construido sobre una gran mentira, pero siendo éste el enésimo giro de tuerca al pasado de los dioses normandos made-in-Marvel, habrá que ver cómo se desarrollan los acontecimientos. Fraction aprovecha la conocida “colgadera” que la piara nacionalsocialista tenía por los mitos que fomentaran la supremacía de la raza aria (y concretada en las descacharrantes búsquedas promovidas por Heinrich Himmler y su ridícula y siniestra Ahnenerbe) para profundizar en una relación que ya se destapado en las películas del Capi y de Thor: la existente entre el mundo de los dioses nórdicos y la alta jerarquía del III Reich. Prepárense pues para ver a los coloridos nazis creados por Stan Lee y Jack Kirby pasados por el tamiz de la modernidad y la actualización. No es la primera vez que vemos algo de esto, pues ya Roy Thomas jugó con esa idea en el pasado lejano, en tanto que Jonathan Hickman lo ha hecho más recientemente en Ultimate Thor. La parroquia marveliana habitual ya sabe que Miedo encarnado va a ocupar gran parte de los argumentos de los tebeos de la editorial yanqui, con especial atención, como viene siendo habitual, a la franquicia vengadora, actual piedra angular del negocio. Quienes no gusten de este tipo de “esclavitudes” ya se pueden ir resignando y disfrutar, repito, del gran trabajo de don Stuart, que se supera día a día. Para saber más:
Los diarios del miedo, de David Gavilán Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 23 de enero de 2012.
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| Esta semana en Docencia en Derecho Civil (XCV) |
2018-09-10 |
La semana del 27 de agosto de 2018 fue la última en la que la página Docencia en Derecho Civil ha mantenido su versión original. Desde su apertura, en mayo de 2007, he publicado en ella todo tipo de material relacionado con el estudio y la investigación de la materia a la que he dedicado mi vida académica y profesional. El pasado 31 de agosto de 2018, el servicio WebEmpresas -responsable del dominio y del diseño- dio de baja la vieja página y todos sus contenidos. Desde el día 1 de septiembre, hay una nueva versión que, espero, sea de su gusto. Docencia en Derecho Civil
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