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| Los programas de Radio Campus (II): Ciencia en Radio Campus |
2019-03-17 |
El segundo programa de radio a la carta que Radio Campus -la emisora de la Universidad de La Laguna- tiene en iVoox está dedicado a la divulgación de la actividad científica, con entrevistas a las personas que participan en Escépticos en el Pub en Tenerife o desarrollan acciones relacionadas con la difusión del conocimiento y el pensamiento crítico extramuros del ámbito académico. Enlace al programa
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| Los programas de Radio Campus (I): Aulas, cátedras y colectivos culturales |
2019-03-05 |
Desde el año 2012, la emisora de la Universidad de La Laguna tiene un canal en iVoox, la plataforma de radio a la carta más popular en el momento presente. Sus contenidos están organizados en diversos programas, cuyo denominador común es la divulgación de la actividad académica, la promoción del pensamiento crítico y la difusión de la cultura. Como, desde hace unos años, esta bitácora es, más bien, reseña de otras actividades que desarrollo aquí y allá, hoy se inaugura una nueva serie de entradas, dedicada a Radio Campus. Empezamos con el espacio dedicado a aulas, cátedras y colectivos culturales: Enlace al programa
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| Ultimate Capitán América |
2019-01-31 |
Título: Ultimate Capitán América Formato: Tomo de la serie novelas gráficas Marvel Autores: (G) Jason Aaron (L) (T) Ron Garney (C) Jason Keith, Jim Charalampidis (P) Ron Garney Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 12 euros Comentario: El Capitán América, Thor y el Hombre de Hierro constituyen la santísima trinidad vengativa y ocupan un lugar equiparable al que en la Liga de la Justicia ocupan Superman, Batman y la Mujer Maravilla. Sea en la Tierra 616 o sea en el terruño ultimatero, el supersoldado, el dios nórdico y el magnate de la tecnología constituyen la columna vertebral de los Vengadores / Ultimates. Así las cosas, si en el ya-no-tan-novedoso nuevo universo marveliano ha habido espacio para series limitadas dedicadas a Iron Man y a Thor, es el turno ahora para el hombre del atuendo abanderado, reuniéndose para ello a un equipo cuando menos interesante: Jason Aaron, guionista de notable predicamento en la casa de las ideas y Ron Garney, dibujante de una etapa del Capi original que muchos consideran mítica. Durante cuatro números, uno y otro profundizarán en un personaje que, por obra y gracia del trabajo de Mark Millar al frente de los Ultimates, ha resultado ser una versión bastante más desagradable que el cabeza (sí) alada al que la parroquia estaba acostumbrada. La historia del personaje es, grosso modo, idéntica en origen a la del original: el debilucho Steve Rogers se somete a un proceso que habría de convertirle en el primero y a la postre único de una nueva casta de supersoldados. Vestido con las barras y estrellas y entrenado para ser un ser “nasío pa matá”, se convertirá además en una invaluable herramienta propagandística. Una misión casi al final del conflicto en el teatro europeo lo condenó a una animación suspendida que, en el caso de la versión ultimatera, sería de seis décadas (frente a los quince o dieciséis años del original que, progresivamente, se han ido estirando cual chicle “Boomer” que se precie). Millar y Hitch nos presentaron a un supersoldado completamente desubicado en un mundo que había cambiado de forma vertiginosa y que hacía que sus esquemas mentales, que ya en origen tiraban a tradicionales, resultaran aún más conservadores (que no anacrónicos porque, no nos engañemos, en Yanquilandia hay espacio para la carcundia más fosilífera a día de hoy). Este Capitán se convierte rápidamente en el líder de campo de un equipo necesitado de disciplina porque se aferra a lo único que le queda y que parece tener sentido en ese loco mundo hipertecnificado al que, cual moderno Rip Van Winkle, se ha visto arrojado: su oficio de soldado. El guionista escocés aprovecha el tremendo desfase de Rogers para presentar un conjunto de situaciones en las que el militar está como pez fuera del agua: su deseo de relacionarse con los apolillados veteranos de la Segunda Guerra Mundial, su incapacidad para comprender el concepto de mujer liberada, su tendencia a llevar hasta el último extremo el ideal de la bandera y el pastel de manzana, todo ello sazonado de la versión más conservadora del mismo. Aaron toma todo el trabajo de Millar y, un poco como hizo éste en Ultimate Vengadores, decide poner a prueba las convicciones del Capitán, enfrentándole al mayor trauma de la historia reciente de los Estados Unidos de América: la guerra de Vietnam. Don Jason, que como reseña Julián Clemente en la introducción de la edición española tiene por motivos familiares un profundo interés por ese episodio del pasado yanqui, se plantea cómo afrontaría un veterano de la lucha contra el Eje el papel de su país y de sus fuerzas armadas en un conflicto bélico tan sucio y despiadado como el que azotó Indochina. Para ello, nada mejor que usar un truco bastante viejo y bastante repetido en las aventuras del Capi original: enfrentarle a otro icono nacional(ista) estadounidense. La añagaza, empleada por Steve Englehart para justificar los sonrojantes tebeos “macarthistas” de los cincuenta (indicando que los protagonizaba otro Capitán América surgido en esa década) fue repetida por Mark Gruenwald (creando a un abanderado tirando a “reaganista” en la figura de John Walker, el Usagente) y más recientemente por Dan Jurgens (que creó al olvidable Protocida) sin contar al Capitán América afroamericano de Robert Morales. El oponente elegido por don Jason no es otro que Frank Simpson, que los lectores de Born Again recordarán como el sicótico Nuke, el reflejo distorsionado del abanderado que crearan hace ya un buen puñado de años Frank Miller y David Mazzuchelli. Como el original, este supersoldado es el resultado de los infructuosos proyectos de recuperación / reinvención del programa de potenciación que dio origen a Steve Rogers, pero en tanto que aquél era enviado a fastidiar a los adversarios ochenteros de la administración Reagan (como la Nicaragua sandinista) éste es, como dice Carol Danvers, el Capitán América de Vietnam. La miniserie presenta el conflicto entre los dos abanderados y sus respectivas experiencias vitales. Así, Rogers mantiene una confianza monolítica en su misión, construida sobre la lucha contra uno de los regímenes más siniestros y despreciables de la historia de la humanidad. Por su parte, Simpson se chifló –o eso dicen- cansado de una guerra cada vez más sucia que, a la postre, su país acabaría perdiendo. Cuarenta años más tarde, aparece echando una mano a los integrantes del llamado “eje del mal”. El Capitán América se topará, primero sin saberlo y luego en una misión de caza y captura a un adversario que tuvo que ocupar su lugar en un conflicto para el que no estaba preparado. Aaron presenta la enésima revisión de una experiencia bélica que ha formado parte de la conciencia colectiva estadounidense durante varias décadas, traducida en novelas, películas, videojuegos y, por supuesto, tebeos. Los dos abanderados vienen a ser dos modelos de soldado. El primero, condenado quizá a un conflicto sin fin, por no haber asistido al final de la guerra para la que fue concebido y por no haber presenciado las consecuencias de la misma; el segundo, evocador de la figura de John Rambo, la máquina de matar que no puede encontrar la paz por las atrocidades cometidas y a la que repele la posibilidad de volver a ser empleado como una mera máquina de matar. Simpson está tan loco como de costumbre, pero el Capitán acaba resultando un personaje profundamente repelente por la cartera de valores morales que parece tener pegada al corazón y que parece vinculada a los ideales más rancios, intransigentes y, por qué no, fanáticos del país americano. El guionista juega con la idea de que el teórico héroe no resulte serlo tanto (cosa no demasiado difícil porque las versiones “ultimateras” de los Vengadores fueron diseñadas para resultar bastante más desagradables de los originales) y el hipotético villano, pese a su falta de tuercas y tornillos en su sitio, pone el dedo en la llaga acerca de los valores que Estados Unidos predica y lo poco que los practica. El final resulta en ciertos pasajes un tanto inverosímil, aunque el guionista se las arregle para poner al protagonista en un brete filosófico del cual saldrá empleando de forma un tanto cazurra. El dibujo de Ron Garney está bastante bien, aunque no esté en su nivel más alto. La ambientación que realiza de los distintos escenarios es correcta, sobre todo la correspondiente a las selvas camboyanas. Su Capitán América de aquí es el gemelo del que dibujara según guiones de Mark Waid, pero tiene la habilidad de que su expresión sea más hosca, más dura y, consecuentemente, menos afable. Este tomo queda recomendado para quienes quieran tener todo lo que hacen los Ultimates en solitario, para quienes deseen recuperar el espíritu de las películas ambientadas en Vietnam (aunque siendo realistas, esto está más cerca de los Desaparecido en combate del pensador y filósofo Carlos Ray Norris que de Platoon). Lo que vuelve a ser una inexplicable estocada para los bolsillos es este formato en base al cual cada capítulo cuesta la nada desdeñable cantidad de tres euros. Un curioso contraste con la reciente noticia que supone la resurrección del formato “recopilatorio a tres” para la línea Ultimate. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 12 de marzo de 2012.
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| Pantera Negra. El hombre sin miedo: Jungla urbana |
2019-01-30 |
Título: Pantera Negra. El Hombre sin Miedo: Jungla urbana Formato: Tomo en tapa blanda de la línea Héroes Marvel Autores: (G) David Liss (L) Francesco Francavilla, Jefte Palo (T) Francesco Francavilla, Jefte Palo (C) Francesco Francavilla, Jefte Palo, Jean-François Beaulieu (P) Simone Bianchi Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 9,95 euros Comentario: Hay personajes con estrella y personajes estrellados, y nuestro amigo Pantera Negra es uno de los que entra por derecho propio y de su historia en el primer apartado. Creado por Stan Lee y Jack Kirby durante los días dorado de su estancia al frente de los Cuatro Fantásticos, su aparición fue en aquellos convulsos años sesenta de reivindicaciones sociales y civiles, una interesante novedad. T´Challa era el aguerrido monarca de una nación africana que combinaba una tradición animista tribal (un poco de cartón piedra, claro está) con la más avanzada tecnología. Un líder capaz de luchar mano a mano con el cuarteto de Reed Richards y de competir con él en capacidades cocoteriles. Un héroe carismático que pronto se incorporaría a los Vengadores, convirtiéndose en una presencia recurrente que, sin poder mantener largamente una cabecera propia, ha tenido etapas que bien podrían considerarse como de culto. Para la Historia queda el insuperable trabajo de Don McGregor, interrumpido a su vez por la exuberancia creativa e imaginativa del maestro Kirby, en tanto que tiempos más recientes traen a la memoria las labores de Christopher Priest dentro del sello Marvel Knights. Durante los últimos años, la presencia del rey de Wakanda ha venido dada por los guiones de Reginald Hudlin (un director y guionista cinematográfico llegado a la casa de las ideas en los días en los que ésta buscaba talentos en otros sectores del entretenimiento). A él debemos la cuestionable –por innecesaria- reformulación de los orígenes del personajes y su entorno, así como la contribución al bodorrio y posterior relación matrimonial con Ororo Munroe, Tormenta, junto a la cual formaría parte de los Cuatro Fantásticos durante un breve período de tiempo. La caída de su cabecera ha venido enmarcada por el socorrido cruce en el que T´Challa se jugó el todo por el todo y destruyó la principal fuente de riqueza de Wakanda, los yacimientos de vibranio. Sin arrepentirse de su decisión pero consciente del daño ocasionado a su patria, el héroe ha renunciado a su trono y al manto de la Pantera Negra, retornando a un terruño con el que ha tenido unas relaciones un tanto peculiares, los Estados Unidos de América. Allí, un viejo conocido que responde al nombre de Matt Murdock le pide que cuide por él el barrio de la Cocina del Infierno. Daredevil se lame las heridas sufridas en Tierra de sombras y ha de pasar por un proceso de reencuentro, pero no desea que el vacío de poder que genere su marcha suponga un retorno a los buenos, viejos y terribles tiempos. T´Challa, uno de los más antiguos conocedores de la identidad civil del cuernecitos, recoge el guante, pues desea probar su temple, ahora que ya no tiene tras de sí la tecnología, la inmunidad y el poder que supone la jefatura de un Estado. Los visitantes asiduos de esta santa casa virtual recordarán que Marvel anunció cambios profundos como consecuencia de Tierra de sombras. Se jugueteó con la muerte de Daredevil (je-je-je) y se lanzaron varios experimentos cuyos resultados no han estado muy allá. Entre ellos, y después de dorar la píldora y marear la perdiz con varios candidatos posibles, la presentación de la Pantera Negra original como el nuevo protector de uno de los barrios más depauperados de Nueva York. La noticia supuso un cambio en lo que había sido la tendencia respecto del personaje en los últimos siete años, metiéndole en un ambiente que no controlaba y en el lugar de un justiciero perfectamente adaptado al medio. Había pues materia prima para hacer algo interesante o para arrearse un buen tortazo, y lo cierto es que ha habido de todo un poco ya que el experimento no ha durado mucho, pero ha dado un resultado cuando menos entretenido. Para empezar, hay que decir que el equipo creativo no se puede considerar de primera línea, al menos en lo que al sector de los tebeos se refiere. El guionista es un tal David Liss, conocido por su producción literaria (y confundido en su apellido en la contraportada de la edición española, por cierto); los dibujantes son Francesco Francavilla y Jefte Palo, y solo en las portadas encontramos un nombre que suene más, el del ilustrador Simone Bianchi. Guionista y dibujantes nos presentan una historia entretenida, bien construida y sin aparentes fisuras en el personaje o en el escenario. Para empezar, Liss responde a una pregunta colectiva silenciosa: Pantera Negra, pese a su exilio, es el marido de Tormenta, el aliado de los Cuatro Fantásticos, uno de los vengadores más antiguos… ¿qué impide que semejante panda de amigotes vaya a echarle una mano? El hecho de que T´Challa desee ponerse a prueba y la recomendación de Murdock de que el barrio no está hecho para albergar uno de los grupos de la franquicia vengativa. Para seguir, le da una nueva identidad, una en la que, como su antecesor, se integra en el barrio que va a defender, y que recuerda a la que tuviera antaño como Luke Charles (creo que ése era su nombre). Para terminar, dejan de lado a Wilson Fisk y se sacan de la mano a un jefecillo menor, integrante de la mafia rumana. Topicazo que te pego, el adversario de la Pantera en este arco argumental se llama Vlad, y el señor Liss dedica bastante tiempo a desarrollarlo como personaje. Don David presenta a su criatura como a un estratega que prefiere cultivar la lealtad por medio de recompensas que a través del miedo, y que aspira a que sus hijos sigan su ejemplo, aunque por la vía legal. Como quiera que al guionista le gusta el tema de la intriga, el relato tiene un par de giros sorprendentes que le dan al asunto un regusto a novela de misterio policiaco que no queda nada mal. La historia gana muchísimos enteros gracias al trabajo de Francavilla y, en menor medida, al de Palo. Ambos consiguen dar al escenario el aspecto atrotinado, machacado y, con todo, esperanzado que corresponde al barrio de Matt Murdock. Buen tratamiento de personajes, tanto del héroe como del villano, buena ambientación y un tebeo entretenido. Sin equipos de renombre mediático y sin franquicias de primera línea. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 6 de marzo de 2012.
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| Feliz 2019 y prósperos carnavales |
2019-01-07 |
Siempre he sido de la opinión de que el mensaje navideño, si se cree realmente en él, debe predicarse (y practicarse) durante todo el año.  P. S. Son libres de pensar que, este año, se me fue el baifo con lo de la felicitación.
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| Herc: Dioses de Brooklyn |
2018-10-25 |
Título: Herc: Dioses de Brooklyn Formato: Tomo en tapa blanda de la línea Héroes Marvel Autores: (G) Greg Pak, Fred Van Lente (L) Neil Edwards (T) Scott Hanna, Cory Hamscher (C) Jesus Aburtov (P) Carlo Pagulayan Editorial: Marvel Comics / Panini Comics Precio: 9,95 euros Comentario: Hércules es uno de esos personajes que, después de cuatro décadas y pico pululando por el universo marveliano, ha alcanzado la condición de “personaje de culto”, entendida la misma como popularidad insuficiente como para sostener una cabecera propia durante mucho tiempo. Una miniserie por aquí, una novela gráfica por allá, una estadía más o menos larga en los Vengadores… y vuelta a empezar. Hasta la reorganización parcial provocada por Hulk Guerra Mundial, solo Bob “Qué bien me salen los brillitos de la armadura de Iron Man” Layton y Tom “Qué bien remedo a Stan Lee” DeFalco y Ron “Qué bien remedo a Jack Kirby” Frenz habían hecho algo de provecho con el personaje (con una miniserie que dibujaría Pat Oliffe). El primero había hecho de Hércules un aventurero estelar y los segundos lo habían convertido en escudero de aquel Thor que compartía piso (y otras cosas) con Eric Masterson. Después de que la Masa convirtiera Nueva York en un socavón, el Príncipe del Poder, dirigido por Greg Pak y Fred Van Lente, ocupó la cabecera y heredó la numeración de la serie del coloso esmeralda, encadenando una entretenida sucesión de historias en las que se actualizaban las deidades y leyendas de la mitología griega. Comandando un escuadrón de dioses frente al panteón skrull en Invasión Secreta o recorriendo como fugitivo los Estados Unidos, en compañía del crecientemente cargante Amadeus Cho, Hércules seguía siendo el fortachón de cabeza loca y gran corazón de costumbre, pero los guionistas lograron llevar a cabo una actualización eficaz de la materia prima con la que estaban trabajando, sin caer en un péplum de cartón piedra y sin convertir al bueno de Herc en un “Quebien Sobo” cualquiera. La exuberancia y altas dosis de burricie habituales en el héroe tebano contrastaban con las sabihondeces del pitagorín de Cho, siendo ambos víctimas –a ratos más conscientes, a ratos no tanto- de las manipulaciones de la diosa helena de la sabiduría y la guerra. Con un Olimpo desmantelado tras la caída de Zeus, Atenea se convierte en la intrigante principal del conflicto de poderes que se desencadena en el panteón al que pertenecen ella o el propio Herc. Encuentros y desencuentros con los eventos marvelianos de turno aparte, las líneas argumentales de la colección desembocaron en un clímax en el que el protagonista acabaría encontrando la muerte (ya, si, claro) siendo debidamente homenajeado y dejando a Amadeus Cho obsesionado por un reencuentro que no tardaría en producirse y desencadenaría a su vez una historia de proporciones cataclísmicas (sobre todo porque fue dibujada por Khoi Pham). La Guerra del Caos sirvió para ver en acción a unos cuantos héroes difuntos y para traer de vuelta a Alpha Flight y a un Hércules que, como en los días finales de la etapa vengativa del guionista Bob Harras, se vio despojado de su divinidad y convertido en un mero mortal. Aquí arranca este nuevo volumen de las aventuras de un guerrero barbado que ha sido despojado de la mayor parte de su poder. Pak y Van Lente vuelven a encontrarse con el héroe griego, pero esta vez en unas circunstancias y en un escenario bien distinto. Si en las aventuras precedentes –sobre todo en la última- nos encontrábamos con epopeyas cósmico-divinas, bien sazonadas con misticismo de baratillo y un poco mal resueltas a base del reparto a gran escala de sagradas formas, ahora el relato se mueve en un ambiente urbano, más próximo a personajes como Daredevil o Spider-Man. Un trasfondo urbanita y cotidiano para quien ha perdido la capacidad para jugar en primera división (de momento, que ya sabemos cómo va esto). Hércules abraza una vez más la causa de la justicia y se convierte en protector de la ciudadanía, concentrándose en primer lugar en la defensa de una pequeña familia de inmigrantes griegos que llegó a Estados Unidos huyendo de la crisis económica. Ya no es un semidiós, pero sigue siendo un guerrero con siglos de experiencia a sus espaldas y con un arsenal de armas mitológicas que recuerdan a cualquiera de los filmes de Furia de titanes (bueno, de la clásica, que en la moderna se dedicaron a saquear los archivos de Masami Kurumada). Pese a todos estos cambios, hay espacio -¡cómo no!- para que el protagonista salude (y conceda el don de la lucha) a algunos de sus parientes olímpicos, para que Miedo encarnado se deje ver y para que algunos secundarios con aspectos vagamente mitológicos pasen a saludar. En la parte de los lápices tenemos a un caballero que responde al nombre de Neil Edwards y que francamente, cumple con corrección. El resultado es una serie entretenida que, pese al giro, puede gustar a quienes se mantuvieron fieles a su cita periódica con las aventuras de Hércules en su etapa anterior. Eso sí, no se encariñen mucho, que la cosa no cuajó en Usalandia. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 5 de marzo de 2012.
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| Ghost Rider 2: Espíritu de venganza |
2018-10-18 |
Título: Ghost Rider: Espíritu de venganza Formato: Película estrenada el 24 de febrero de 2012 Guión : Scott Gimple, Seth Hoffman, sobre una historia de David S. Goyer Dirección : Brian Taylor, Mark Neveldine Reparto : Nicolas Cage, Fergus Riordan, Ciarán Hinds, Violante Placido, Idris Elba, Christopher Lambert, Johnny Whitworth Música : David Sardy Productora: Hyde Park Entertainment, Imagenation Abu Dhabi, Marvel Knights, Crystal Sky Pictures Distribuidora: Columbia Pictures, Warner Brothers Pictures Comentario: Mientras buena parte del equipo de Zona Negativa está cubriendo la ceremonia de la octogésimo cuarta edición de la gala de los premios Óscar, me toca aportar un granito de arena a la tarea de hablar un poco sobre el séptimo arte, centrándome en una película estrenada en España el pasado viernes: la segunda parte de las aventuras cinematográficas del Motorista Fantasma, más conocidas por la polémica judicial entre Gary Friedrich y Marvel que por sus virtudes fílmicas. Al frente de la cinta, un Nicholas Cage que después de años y años buscando su lugar en el negocio de las adaptaciones superheroicas (en parte por su afición lectora al género) y de postularse como un inverosímil Superman (en la fallida versión de Tim Burton) o un difícilmente imaginable Tony Stark, ha encontrado su sitio interpretando a Johnny Blaze, el motorista acróbata que hizo un pacto demoníaco que le convirtió en la prisión del demonio Zarathos. Cuando en 2007 se estrenó la primera película del Motorista Fantasma, nadie hubiera dado un duro por la posibilidad de una continuación: Cage llevaba una rata muerta en la cabeza y uno se preguntaba qué pintaban por allí Peter Fonda (a lo mejor recordando sus días de motero en Easy rider) o Sam Elliott (a lo mejor recordando lo bien que queda haciendo de vaquero). La película combinaba ambientes y aspectos de las series de los setenta y los noventa, sin terminar de decantarse claramente y siendo vapuleada por la crítica, aunque hay que reconocer que tenía detalles para echarse unas cuantas risas (empezando por el adminículo piloso artificial de la testa de don Nicolás). El ser humano es el único bicho que tropieza dos veces en el mismo tonique, así que el destacado miembro de la familia Coppola ha vuelto a la carga motorista con una historia firmada por David S. Goyer (responsable de los guiones de Blade I y II y del Batman de Nolan, pero también de la dirección de Blade Trinity y del guión del Nick Furia de David Hasselhoff) despojado de pelambres espurias y armado con unos recursos histriónicos propios de un Jack Nicholson en su peor día o de un Bill Shatner pasado de rosca. La historia de esta secuela nos lleva a Europa del este, donde Moreau (Idris Elba) localiza a un Johnny Blaze que ha huido desde Estados Unidos intentando dominar al demonio que alberga en su interior. Quiere reclutarle para que le ayude a rescatar y a poner a salvo a un chico que puede ser el próximo receptáculo del Diablo (que ya no es Mefisto sino Roarke pues, como dice Moreau, parafraseando a Warren Sánchez, el maligno tiene muchos nombres). El muchacho ha sido concebido como parte de un contrato muy similar al que en su momento se unió Blaze: Nadya, una joven gitana (interpretada por Violante Placido, actriz e hija de Michelle Placido, el inolvidable Comisario Cattani de La Piovra) salvó la vida a cambio de engendrar a un varón que a los trece años habría de ser devuelto a su progenitor. A cambio de su colaboración (que implica liberar al motorista) Blaze podrá ser liberado de su maldición por los mentores de Moreau, una misteriosa orden monacal. A partir de ahí se abre un descacharrante hilo de gamberradas visuales (algunas a modo de tebeo), argumentales y conceptuales, dignas del mejor cine de serie Z, con Cage haciendo un montón de muecas que convierten a Blaze en el descendiente directo de cualquier villano de vodevil o de película italiana de bárbaros. Mención especial merecen el episodio de su transformación (psicotronía pura y dura) así como la alucinante narración (con imágenes incluidas) de lo que supone aflojar la vejiga transformado en esqueleto llameante. Más que de terror, la cinta es de humor involuntario, vistas y oídas las carcajadas emitidas por el respetable. Otro detalle a tener en cuenta por parte de la afición al cine del güeno (pero güeno güeno de verdad de la güena) es la aparición / rescate del legendario Christopher Lambert, que interpreta con sus dotes habituales al jefe de la orden a la que pertenece Moreau. Después de haberle visto sumamente deteriorado y atarugado en Los Inmortales IV, me parece que ha recuperado parte de su planta, aunque sus virtudes actorales siguen más o menos como siempre: mirada sobrada estilo “solo puede quedar uno” y molinete con espada (que, ay, no era su inseparable katana). Entre tanto disparate argumental y fílmico hay tiempo de disfrutar de los paisajes que ofrecen tanto Rumanía como Turquía. El Motorista Fantasma deja su estela de fuego por los rincones en los que se rodaron cintas tan memorables como Turist Omer uzay yolunda, Supermen Donuyor o Dunyayi Kurtaran Adam. Con semejante película y tales paisajes, uno –que ha transitado por lo mejor de lo peor del selecto cine otomano- piensa en Cuneyt Arkin (aguerrido karateka de la Guerra de las Galaxias turca) o en Aytekkin Akkaya (inverosímil centinela de la libertad en Capitán América y Santo contra Spider-Man). Si no conocen estos títulos ya tardan, pero les aseguro que su calidad es comparable a la de este Espíritu de Venganza. Motos, camiones, ambulancias, grúas y furgonetas. Tiros, explosiones y alguna ostia como pan. Guerras entre el cielo y el infierno, monjes y matones del crimen organizado. Y el Cage desaforado como nunca. Serie zeta y hasta doble zeta en dos y tres dimensiones, para el niño y la niña. Reseña publicada originalmente en Zona Negativa el 27 de febrero de 2012.
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